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viernes, 25 de mayo de 2018

¿El arte paga impuestos?

                                                         ¿QUÉ ES OBLIGATORIO DECLARAR?

Jorge Llopis es art adviser en Astasante.com
Jorge Llopis es art adviser en Astasante.com

¿El arte paga impuestos?

· Por Jorge Llopis Planas. asesor de Arte y Perito Tasador Judicial de Arte (www.arstasante.com)



Si, el arte paga impuestos como cualquier bien mueble valioso, otra cosa es que no queramos enterarnos… Siento amargarle la Declaración de la Renta a más de uno, pero ante la pregunta en cuestión hay que insistir en que si. El Arte paga impuestos pero con matices como explicaré más adelante, pero creo interesante aclarar previamente que a pesar de que los neoliberales estén indignados con tanto impuesto sobre bienes ya adquiridos, el arte y las antigüedades de importancia se deben declarar desde 1977. Pero es que además , el asunto éste de declarar o no, tiene “regalito envenenado” para nuestros herederos…
…Por ley es obligatorio declarar las pinturas y esculturas de más de 100 años de antigüedad que valgan más de 60.000 € y las pinturas y esculturas de menos de 100 años de antigüedad que valgan más de 90.000 €…
El arte y las antigüedades entra en ese apartado de “cosas”, por las que hay que pagar Impuestos del Patrimonio, junto con las casas, el dinero en el banco, las joyas, los coches o los barcos. Como decía al principio hay que tener en cuenta los matices que define la ley: las pinturas y esculturas de más de 100 años de antigüedad que valgan más de 60.000 € y las pinturas y esculturas de menos de 100 años de antigüedad que valgan más de 90.000 €.
…¡Y ya no hablemos de compras o ventas privadas no declaradas!. Recuerde y no olvide NUNCA, que el comprador o vendedor si puede declararlas en su declaración…
Lo que sucede en España el que arte, se considera “la última frontera “ de la inversión, es decir lo más privado, lo que está en nuestras casas y “nadie[1] lo ve o lo sabe. El propietario, incluso el coleccionista patrio, ignora , “esquiva”, sobrevive o lo que usted prefiera como si este tema no fuera con él. El arte importante , no nos engañemos, siempre ha sido una fórmula de inversión y de especulación como la inmobiliaria o el oro, por tanto si queremos engañarnos o ignorarlo es nuestra responsabilidad. ¡Y ya no hablemos de compras o ventas privadas no declaradas!. Recuerde que el comprador o vendedor si puede declararlas en su declaración. Lo que pasa es que “nadie” no se ha preocupado demasiado del asunto porque en primer lugar, no tenía personal cualificado (ahora si, ¡Ojo!) y segundo porque tal vez por temor a un colapso administrativo no suele explicar como ahorrarnos una reducción importante en la cantidad a pagar en relación al arte, aprovechando que el coleccionista o inversor de arte español quiere seguir “ignorando” la legislación al respecto, que según como se mire es muy beneficiosa por cierto.
…En España existe una Ley de Patrimonio Artístico desde 1986 que obliga a inscribir en el Inventario General de Bienes los bienes artísticos anteriormente indicados…
En España existe una Ley de Patrimonio Artístico que desde 1986 que obliga a inscribir en el Inventario General de Bienes (IGBM), los bienes artísticos que cumplan los requisitos de antigüedad y valor indicados, pero esta obligatoriedad también tiene sus ventajas ¡Y muchas!: La obra que está inventariada se beneficia de deducciones fiscales y tributarias importantes; Únicamente las obras que estén en el IGBM pueden ser empleadas para solicitar la Dación en Pago; Las obras que están el IGBM obtienen el Permiso de Exportación más fácilmenteEn relación a reclamaciones a seguros por siniestro las obras inscritas en la IGBM son indiscutibles y a efectos de Sucesiones puede implicar un 95% de deducción y sobretodo dejar a nuestros hijos un patrimonio artístico “en regla” sin problemas de acreditación de titularidad y sin problemas de incrementos no justificados de patrimonio. Este es el regalo envenenado del que hablaba. Finalmente indicar que una obra de arte de estas características debe acompañarse siempre de su informe Pericial de Tasación Judicial, que justifique su autoria y su precio.
Como digo siempre. El único y último responsable es el propietario. La ley española sobre patrimonio es una de las más intervencionistas de la EU y esto hace que a veces sea tan complejo el mercado del arte en España y sin olvidar que los propietarios también forman parte de este mercado, por tanto si no contemplamos la legislación vigente poco o nada podemos reclamar. De paso ya les adelanto que si declaran es poco recomendable no indicar el precio correcto o falsear facturas y demás trapacerías.
A mi personalmente me gustaría poder conducir a 150 km/h. el coche que compré en España o poder fumar libremente el tabaco que vende el monopolio estatal, pero…
[1] Llamémosle “NADIE” a la Agencia Tributaria, que hoy por hoy sabe todo lo que compramos y vendemos

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http://www.elmundofinanciero.com


lunes, 21 de mayo de 2018

3 razones de Avelina Lésper para afirmar que el arte contemporáneo es un fraude

avelina lesper

¿Existe realmente el arte contemporáneo? Avelina Lésper afirma que no.

Si alguien se ha dedicado a descalificar el arte contemporáneo ha sido Avelina Lésper: ella no le tiene miedo a denostar las formas en las que objetos sin valor son vendidos por cantidades ridículas en las casas de subasta, ni a enfrentar directamente al espectador en términos de la poca exigencia que existe hoy con las obras de arte. Para Lésper, el mundo ha sufrido un entumecimiento intelectual, como lo veían venir los de la Escuela de Frankfurt, y en consecuencia, no hay una crítica real por parte de la audiencia a lo que el mercado del arte nos vende como Arte. 

avelina lesper 1

Lésper se ha convertido en un personaje mediático por su capacidad de establecer sus puntos de vista como los únicos válidos. Por esta razón, ha generado gran polémica en los círculos de élite académica —a los que, por cierto, su crítica más pesada va dirigida—. Ella ataca al sistema ideológico capitalista que ha subsumido la capacidad de réplica que en una democracia real debería de existir. Más aún en el ámbito artístico y en sus distintas expresiones; sin embargo, se centra en lo que conoce mejor: las artes plásticas y visuales, particularmente en las ferias de arte —como Frieze o Zsona MACO— que en la actualidad parecen proliferar en todo el mundo.

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Pareciera, entonces, que en vez de ser un público responsivo que tiene una capacidad propia de análisis, la masa social asume cualquier cosa que el mercado capitalista le ofrece disfrazado de obra de arte, aunque el objeto que se mercantilice no necesariamente lo es. En estos términos la tan dura crítica de Lésper gira en torno al mínimo ejercicio de racionalidad que los espectadores hacen, deja que una serie de factores mercadotécnicos —y no artísticos— les impongan un canon estético sin valor real. Si bien es cierto que los argumentos de Avelina Lésper rayan a veces en la intransigencia prefascista, maniquea y parcial también tiene una lógica interesante. Aquí mostramos algunos de los puntos fundamentales:


1. ¿Arte contemporáneo? No hay tal cosa

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A Lésper, como a tantísimos pensadores a lo largo de la Historia, le cuesta trabajo definir claramente lo que es Arte; sin embargo, identifica tres elementos fundamentales para un quehacer artístico real, que aplica para todas las expresiones artísticas. La obra de arte debería de nacer de:

a) La inteligencia humana
b) El talento de una persona
c) La sensibilidad del ser humano

Si el producto artístico carece de alguna de estas cualidades para Lésper es fácilmente denostable, como un producto más de la mercadotecnia, al servicio del capitalismo y como un factor fundamental del entumecimiento intelectual de las masas. Es por esto que no encuentra ningún valor en las obras expuestas en las ferias de arte contemporáneo: muchas de ellas, según dice, no pasaron por un proceso de factura artesanal, ni obedecen a un canon estético autoevidente. Además, como hijos de Duchamp, los artistas contemporáneos parten de objetos ya existentes en el mundo, cuando debería de ser justo al revés: partir de nada para generar una composición propia.

Lo que más molesta a Lésper es que hoy la obra no vale si no tiene una explicación que la acompañe: un vaso de agua no vale por sí mismo nada, pero si se le da un supuesto respaldo teórico desde una óptica filosófica de cualquier tipo, ya tiene validez. El arte no debería de necesitar una explicación para conmover al espectador, y desde esta perspectiva —para ella, por lo menos—, las propuestas contemporáneas no se sostienen a sí mismas.


2. Lo que realmente existe es un estilo contemporáneo

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Lésper es famosa por lo que ella llama arte VIP: Video, Instalación, Performance, por sus siglas. Estas tres manifestaciones artísticas conforman los puntos fundamentales del estilo contemporáneo, pues según su lógica, no se les puede categorizar propiamente como arte. Estas formas artísticas atienden sólo a la inmediatez, de tal forma que muchas de ellas existen sólo en el momento en que se llevan a cabo. Pensemos en los performances de Marina Abramovic, por ejemplo, que son arte efímero, que se terminan una vez que el acto acaba. De ellos queda evidencia fotográfica o en video, que no son propiamente la obra como tal, sino un registro. Avelina encuentra esto muy problemático, pues el arte debería de trascender su contexto. En una entrevista para el documental El espejo del Arte (2016), la crítica dijo:

"El estilo contemporáneo ha hecho del instante el tema, y de la falta de factura, su canon".

Con esta premisa, los artistas que obedecen al estilo contemporáneo tienen licencia de hacer lo que sea, y venderlo como arte, aunque en realidad no lo sea: si el artista asigna a su producto la calidad de arte, eso es arte; sin embargo, como no se trata de objetos que estén pensados para perdurar en el tiempo, que tampoco son producto de la inteligencia humana —pues están producidos en serie, como mercancía—, y además tienen que ser explicados para tener validez, lo único que estas piezas hacen, según Lésper, es perpetuar las dinámicas del capitalismo y legitimar la ideología dominante. No están hechos para conmover, sino para ser vendidos. Nada más.


3. El estilo contemporáneo es profundamente elitista

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El mercado del arte está pensado para los escasos grupos de poder económico en el mundo. Es de gente de cierta posición tener un Tamayo en su casa, y lo mismo con los artistas que Lésper denomina "del sistema"; Orozco con su Oroxxo, Wilfredo Prieto con su Vaso medio lleno medio vacío, o 
Damien Hirst con sus múltiples cuadros de puntitos, que ni siquiera pinta él. El error común que Avelina Lésper encuentra en todas estas propuestas no es sólo que toman objetos que se pueden hacer en serie y que ya existen, sino que son intervenidos por los achichincles de los artistas en sus estudios. Ni siquiera son los artistas los que realizan la obra, sino que contratan a un séquito de ayudantes para que las hagan por ellos.

Sin embargo, en las ferias de arte contemporáneo se privilegia a estos artistas que ya están consagrados como los icónicos de la actualidad, en vez de dar espacio a personas que sí tienen talento. En las ferias de arte, dice Lésper, lo que parece suceder es que se trata de una exposición de basura comercial, que nada tiene que ver con propuestas genuinamente creativas, con una solidez propia que les permita sustentarse por su cuenta. Así lo pone ella, en una entrevista para Cambios:
"El Arte ha sido complaciente, pues vivimos en una sociedad que está en contra de la frustración".

De esto se desprende la idea de que la gente se ha acostumbrado a la constante gratificación de los medios, lo que le impide enfrentarse a una propuesta artística real, que lo incomode, que lo saque de su burbuja individual de consumo. Para Lésper, en vez de que la preponderancia esté dada a la crítica pensante, se tiende a una adicción por la satisfacción inmediata, que ha acabado terminantemente con la capacidad de réplica de la sociedad.

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En vez de que el arte confronte al espectador, que le permita ver nuevas perspectivas, otras posibilidades estéticas, se ha convertido en una cuestión meramente de estatus. Por esto mismo se privilegian a ciertos artistas: no por mérito artístico, sino por contactos y preferencias de las cabezas del sistema. La figura del artista se ha pervertido, concluye Lésper: son artistas porque nos han dicho que son artistas, y no porque tengan las facultades o aptitudes para realmente serlo. 

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sábado, 19 de mayo de 2018

El tecnicolor del arte urbano se instala en Ibiza de la mano de Anna Dimitrova

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Después de haber pasado por Barcelona y París, Adda Gallery aterrizará en Ibiza el próximo 7 de junio en el Paradiso Art Hotel con 'Technicolor', la primera muestra de la comisaria Anna Dimitrova en la isla. La búlgara ha recorrido durante años España y otros países del mundo en busca de grandes nombres del arte urbano. Ahora, reunirá en la isla un ecléctico conjunto de artistas nacionales e internacionales que compartirán sus coloristas obras.
"Si por algo se caracteriza Dimitrova es por encontrar el talento y aquellos artistas emergentes con gran proyección", explican en nota de prensa. La exposición contará con artistas como Uriginal, Nuria Mora, Kenor, GR170, Smithe o Fefe Talavera. 
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jueves, 17 de mayo de 2018

'La luz negra', el lado más 'oscuro' del arte sale a la luz en el CCCB



Antoni Tàpies. Cubiertas de libro, 1987


Antoni Tàpies. Cubiertas de libro, 1987. Pintura sobre cubiertas antiguas de libro 60 x 78,5 cm. Colección particular, Barcelona © Herederos de Antoni Tàpies / Vegap, Madrid ANTONI TÀPIES


La exposición destapa las conexiones íntimas entre el arte contemporáneo y el esoterismo. Incluye unas 350 obras de artistas como Joseph Beuys, Antoni Tàpies, Burroughs o Alejandro Jodorowsky.


La alquimia, las sociedades secretas, la teosofía, las corrientes esotéricas de las grandes religiones, las filosofías orientales, la magia, la psicodelia, la experimentación con drogas y los símbolos y mitos universales son los ingredientes que dan forma a la exposición La luz negra. Tradiciones secretas en el arte desde los años 50, que destapa en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) las conexiones íntimas entre el arte contemporáneo y el esoterismo.

 La muestra, comisariada por el escritor Enrique Juncosa, reúne de forma más o menos cronológica unas 350 obras de artistas tan distintos como Henri Michaux, Joseph Beuys, Antoni Tàpies, William S. Burroughs, Joan Jonas, Kenneth Anger, Rudolf Steiner, Alejandro Jodorowsky, Fracesco Clemente o Zush. Predominando en esta selección los autores de Norteamérica, donde históricamente estas tradiciones han gozado de más aceptación. La luz negra apuesta, en primer lugar, por reivindicar la importancia que estas ideas tuvieron en el desarrollo del arte del siglo XX, aunque el pensamiento racionalista predominante haya tratado de ignorarlas o relegarlas a un segundo plano; y en segundo lugar, por reconocer el interés renovado de una nueva hornada de artistas por estas 'tradiciones secretas'.


"Tal vez se deba a que volvemos a vivir en un mundo inquieto e insatisfecho, preocupado por cuestiones como las nuevas guerras coloniales, el terrorismo fundamentalista, la gravísima crisis ecológica o los populismos nacionalitas, tal y como en los 60 y 70 se temía una inminente castástrofe nuclear devastadora. Además, una gran parte del arte dominante en nuestros días es sumamente aburrido al carecer de misterio alguno y negar la poetización e interpretación de su experiencia", admite Juncosa. Psicodelia, ritos chamánicos y espiritualidad

 La exposición arranca en los años 50 con los cineastas norteamericanos Harry Smith y Jordan Belson precursores de la psicodelia y contracultura. También están presentes los pintores asociados al expresionismo abstracto en Estados Unidos (Barnett Newman, Ad Reinhardt o Agnes Martin) y los informalistas europeos como los catalanes asociados al Dau al Set (Antoni Tàpies y Joan Ponç, entre otros), que se interesan por los escritos del psicólogo Carl Gustav Jung y los ritos chamánicos. El recorrido por esta década se completa con dos raras avis: el cineasta de culto Kenneth Anger y el artista autodidacta y aislado Forrest Bess. En los años 60 y 70, con el nacimiento de la contracultura y el movimiento hippy, llegará la "edad de oro" para lo esotérico y lo espiritual. 

Es el momento de propuestas como las de William S. Burroughs y Brion Gysin, que desarrollan la técnica del cut-up para escribir textos a través del collage, el músico de jazz Sun Ra y sus radicales composiciones, el artista Joseph Beuys que se inspira en los escritos del fundador de la antroposofía Rudolf Steiner, la francesa Tania Mouraud, que crea instalaciones que son espacios para la meditación; o la psicodelia y seres fantásticos del catalán Zush.

 Los 80 y 90 será el momento para pintores norteamericanos como Terry Winters o Fred Tomaselli interesados por temas espirituales, las esculturas e instalaciones simbólicas del alemán Wolfgang Laib, las esculturas invisibles del italiano Gino de Dominicis, la naturaleza espiritual de las pinturas del italiano Francesco Clemente, el esoterismo del cineasta Alejandro Jodorowsky y la atracción por el ocultismo del músico inglés Genesis P-Orridge, líder de Psychic TV. La luz negra añade también obras de artistas muy recientes como Carlos Smorales, Ulla von Brandeburg, Louise Despont, Matias Khran o Jonathan Hammer.

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MODIGLIANI BATE UN RÉCORD EN UNA SUBASTA DE SOTHEBY´S

Modigliani bate un récord  en una subasta de Sotheby´s


ENLACE JUDÍO MÉXICO :- LA OBRA ” «NU COUCHÉ (SUR LE CÔTÉ GAUCHE)», DE AMADEO MODIGLIANI FUE SUBASTADA ESTE LUNES POR 157 MILLONES DE DÓLARES.

P HUERGO CASO: La prestigiosa casa de subastas Sotheby ´s N.Y.  sacó a subasta la semana pasada una conocida obra del pintor sefardí Amadeo Modigliani (Livorno, 1884) , Desnudo tumbado (sobre el lado izquierdo), pintado en París en 1916 y expuesto por primera vez al año siguiente en la única exposición  en solitario que el pintor italiano tuvo en vida, en diciembre de 1917 en la galería parisina de Berthe Weill.
Esta obra pudo verse por última vez el pasado año en dos exposiciones que se celebraron en Londres, una en el Museo Judío y otra en la Tate Gallery.  Es el mayor lienzo de todos los que pintara Modigliani y quizás el más conocido.
Modigliani, aunque pintor de técnicas que aprendió en prestigiosas academias de Venecia y Florencia -donde conocío el arte renacentista en profundidad – una vez que se instaló en París y ocnoció al gran escultor Brancusi quiso dedicarse a la escultura, pero la enfermedad pulmonar que padecía desde muy joven le hacía esta disciplina muy desaconsejable para salud, así que tuvo que renunciar a esculpir bustos de cuellos alargados como las obras de arte africano y minoico que tanto eran de su interés. Y pasó entonces a tratar de ganar dinero mediante los retratos.
El empezó a pintar desnudos femeninos ya en 1910, cuando conoció a la gran poetisa tártara Anna Ajmatova, quien después de haber dado a luz a su primer hijo viajó a París para ser pintada desnuda  por el genial pintor. De todos modos, la modelo de este cuadro no es ella, ni la que sería su gran musa y mujer, Jeanne Hebuterne.
Sí sabemos lo que cobraba la modelo por posar: cinco francos por sesión. Y el pintor, que ya tenía tratos con el marchante de arte Leopold Zborowsky, judío polaco, recibía diez francos al día. Este dinero era sacado de los quinientos francos mensuales que recibía Zborowsky de otro judío, alsaciano, millonario, Jonas Netter , que desde sus cuarenta años había ido intensificando una gran labor como coleccionista de obras de la pintura moderna y el mecenazgo de sus pintores, en especial judíos como Kissling, Soutine, Modigliani. A cambio de esta labor filantrópica , Netter tenía derechos contraídos sobre las obras de los pintores, como por ejemplo escoger las mejores para sí mismo.  Netter y Zboroswky acabarían teniendo algunas diferencias porque el polaco tendía a olvidarse de pactos verbales que contraían entre ellos.
En 1917, el marchante le consiguió una exposición individual  -la única que conoció en vida, pues la tuberculosis le mataría en 1921- en la galería de Berthe Weill, alias La Madre, una judía, también alsaciana, que tras muchos años de trabajo con un anticuario se había especializado en grabados del S XVIII, y que cuando el propietario de la tienda de antigüedades cerró, se montó por sí misma una galería de París con el objeto de dar salida a todos los jóvenes pintores modernistas. De hecho, Berthe Weill fue una de las primeras personas en comprar obras a Picasso.

La exposición tuvo lugar en las navidades de 1917 -con 24 obras- y entre los cuadros expuestos al público había cuatro estudios anatómicos de señoritas desnudas, lo cual para estupefacción de la propia galerista , que se vió con las autoridades policiales en la galería, creaba una incomodidad tildada de indecente. Y por atentar contra el pudor, cerraron la galería a la media hora de haberse inaugurado la exposición.  La Madre compró toda la obra. Y entre esos cuadros estaba el que esta semana se ha subastado en Sotheby´s , llegando a batir el récord de esta casa de subastas en tanto que por un cuadro se refiere.
Además es el cuarto cuadro más caro de la historia. La última vez que salió a subasta, en 2003, se vendió por 26,9 millones de dólares. Es decir, ha multiplicado su valor por seis en quince años, aunque lejos de los 170 millones que llegó a pagarse por otro Modigliani en 2015 en la sala Christies. En la subasta de esta semana también salió una obra de Picasso -amigo personal de Modigliani- pero esa obra , Le repos,  sólo llegó a subastarse por 32 millones.
Modigliani, que vivió su vida adulta prácticamente en la indigencia -su hija tuvo que ser entregada a un hospicio porque eran incapaces de mantenerla- se ha convertido hoy en día en uno de los pintores más cotizados de la Historia del Arte, ya que su firma significa la transición de la delicada melancolía renacentista al colorista y vanguardista arte del S XX.

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https://www.enlacejudio.com

Subastan por 40 millones de dólares un Van Gogh que perteneció a Liz Taylor

'Vue de l'asile et de la Chapelle de Saint-Rémy', de Vincent van Gogh.


Vue de l'asile et de la Chapelle de Saint-Rémy, de Vincent van Gogh. VINCENT VAN GOGH /




El lienzo alcanza los 39,7 millones de dólares en una subasta organizada por la casa Christie's. El artista lo pintó un año antes de su muerte y decoró el salón de la actriz 48 años.


CHRISTIE'S Vue de l'asile et de la Chapelle de Saint-Rémy, el lienzo de Vincent Van Gogh que colgó durante 48 años en el salón de Elizabeth Taylor, ha sido vendido por 39,7 millones de dólares en una subasta organizada por la casa Christie's en Nueva York. La subasta de arte moderno, de 40 lotes, incluía obras de Malevich, Brancusi, Matisse, Miró, Picasso, Léger o Giacometti y llegaron a alcanzar un total 416 millones de dólares. Pintado en 1889, tan solo un año antes de su muerte, es el único cuadro en el que Van Gogh capturó el sanatorio francés donde decidió recluirse voluntariamente para intentar paliar sus problemas mentales, que le habían llevado meses atrás a cortarse una oreja.


Aunque solía pintar las bucólicas vistas que veía desde el hospital, cuando tenía un buen día sus cuidadores lo acompañaban al exterior. En una de esas excursiones pintó este óleo, el único de los 150 que creó en Saint-Remy que retrata el hospital desde fuera.


El cuadro colgó en el salón de Elizabeth Taylor desde 1963 hasta su muerte, en 2011, tras la cual se subastó por 16 millones. Ahora la obra ha duplicado con creces su valor. Artistas de récord Sin embargo, la obra más cotizada de la subasta fue Suprematist Composition (1916), del pintor vanguardista Kazimir Malevich, al venderse por 85,8 millones de dólares, un récord para el artista ruso. 

Se trata de uno de los cuadros más icónicos de Malevich, que revolucionó San Petesburgo (y el mundo del arte al completo) cuando en 1915 presentó sus obras abstractas y repletas de figuras geométricas, en las que en lugar de representar algo real o verosímil decidió crear su propio universo. También hubo récord para el escultor rumano Constantin Brancusi, cuyo retrato en bronce de la escritora Nancy Cunard, La jeune fille sophistiquée (1932), se vendió por 71 millones de dólares.


 Era la primera vez que la escultura se ponía a la venta desde que una familia, los Stafford, la comprase sin intermediarios al artista, y se trata de una de las pocas piezas de bronce de Brancusi que conserva su base de mármol y no está en un museo. Nancy Cunard, la musa de la escultura, era hija de un noble y una rica heredera, y pese a su origen aristocrático destacó por su ayuda al bando republicano en la Guerra Civil española y su activismo contra el racismo, que abrazó tras un romance con un afroamericano.

 El principal reclamo de la noche, Le Marin, de Picasso, valorado en 70 millones, no llegó a exhibirse, después de que Christie's anunciase el domingo que se había dañado accidentalmente mientras lo preparaban para su venta.

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miércoles, 16 de mayo de 2018

El IVAM celebra el Día de los Museos con visitas guiadas por personas del mundo de la cultura y acceso gratis

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El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) ofrecerá visitas guiadas conducidas por personalidades del mundo de la cultura y abrirá sus puertas al público de forma gratuita desde este viernes y hasta el domingo para celebrar el Día Internacional de los Museos, que se conmemora el viernes y que este año lleva por lema 'Museos hiperconectados: nuevos enfoques, nuevos públicos'.

VALÈNCIA, 14 (EUROPA PRESS)
El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) ofrecerá visitas guiadas conducidas por personalidades del mundo de la cultura y abrirá sus puertas al público de forma gratuita desde este viernes y hasta el domingo para celebrar el Día Internacional de los Museos, que se conmemora el viernes y que este año lleva por lema 'Museos hiperconectados: nuevos enfoques, nuevos públicos'.
El IVAM ha preparado para la ocasión un programa de actividades que comenzará este jueves a las 19 horas con la conferencia e inauguración de una nueva muestra dedicada a Pinazo: 'El esplendor de una época. Ignacio Pinazo en la colección del IVAM', según ha informado la Generalitat en un comunicado.
El museo propone para el viernes a las 19 horas visitas guiadas simultáneas a las siete muestras en marcha en el museo: 'Joan Miró. Orden y desorden', 'Caso de estudio: Ródchenko', 'El espíritu de una época. Ignacio Pinazo en la colección del IVAM', 'A contratiempo. Medio siglo de artistas valencianas (1929-1980)', 'Federico Guzmán, al borde del mundo', 'La eclosión de la abstracción' y 'Las constelaciones de Julio González'.
La actriz Rosana Pastor, los artistas Artur Heras y Javier Calvo, la crítica de arte Áurea Ortiz, el profesor Anacleto Ferrer o los periodistas Lola Bañón y Eugenio Viñas, personas relacionadas con el mundo de la cultura, harán cada uno un recorrido en el que darán su visión personal sobre las exposiciones. Al acabar, Cervezas Ambar ofrecerá al público una degustación de sus productos.
Asimismo, abrirá el viernes durante 14 horas ininterrumpidamente, desde las 10 horas de la mañana hasta la medianoche. El acceso será gratuito tanto el viernes como el sábado y el domingo.
DIRECTOS A TRAVÉS DE FACEBOOK
En línea con la temática de la hiperconexión, a lo largo de la mañana del viernes se realizarán conexiones en directo a través de la página de Facebook del IVAM para dar a conocer algunos de los aspectos más desconocidos del trabajo en el museo. En ellos participarán personas que desarrollan su labor en diferentes departamentos, como restauración, seguridad, registro o biblioteca.
El sábado, a las 18 horas, y el domingo, a las 11 horas, se han programado visitas guiadas a la nueva exposición de Pinazo, para las que no se requiere reserva previa. Sólo es necesario presentarse en el mostrador de atención del museo 15 minutos antes de la visita.
Paralelamente, y dentro de la programación del Festival 10 Sentidos, a las 18 horas del sábado se proyectará en el salón de actos la película 'Mr. Gaga', de Tomer Heymann, sobre la vida de Ohad Naharin, creador del lenguaje de movimiento Gaga. El domingo, a las 12 horas, Ariadna Monfort impartirá una 'masterclass' de Gaga.
Como actividad enfocada a familias y públicos de todas las edades, el museo ofrece el domingo a las 12 horas el taller vinculado a la exposición 'Joan Miró. Orden y desorden', Projecte Ubú. Esta actividad incluye una visita a la muestra que permite aproximarse a una selección de obras de Miró y un tiempo posterior de creación artística centrado en sus elementos escenográficos. Es necesaria la inscripción a través del correo electrónico didactica@ivam.es.
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Artistas-curadores revelan sus proyectos para la 33a. Bienal de San Pablo


La 33a Bienal de San Pablo, que tendrá lugar del 7 de septiembre al 9 de diciembre de 2018 en el Pabellón Ciccillo Matarazzo,en el Parque Ibirapuera ya dio a conocer los detalles finales de lo que  se proyecta como una edición única en la historia del encuentro bianual de arte más importante de Latinoamérica.

Se exhibirán siete muestras grupales curadas por artistas seleccionados junto con doce proyectos individuales seleccionados por el curador en jefe Gabriel Pérez-Barreiro que componen un modelo que da voz a los artistas y valora sus interpretaciones sobre sus propios contextos de producción.


Nombrado por la Fundação Bienal de São Paulo como curador de la 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades Affectivas después de su propuesta de organizar el evento a través de un ‘sistema operativo’ alternativo, Gabriel Pérez-Barreiro ha concebido una Bienal que valora la mirada de los artistas sobre sus propios contextos creativos y evita una gran exposición temática..
Además de los doce proyectos individuales, esta edición incluye muestras grupales organizadas por siete artistas curadores: Alejandro Cesarco (Uruguay / Estados Unidos, 1975), Antonio Ballester Moreno (España, 1977), Claudia Fontes (Argentina / Reino Unido, 1964), Mamma Andersson (Suecia, 1962), Sofia Borges (Brasil, 1984), Waltercio Caldas (Brasil, 1946) y Wura-Natasha Ogunji (Estados Unidos / Nigeria, 1970).
De la misma manera que los proyectos individuales no configuran un espectáculo grupal en el sentido tradicional y no están vinculados por ninguna estructura temática o narrativa, las propuestas del artista-curador son completamente independientes entre sí. “Los siete artistas-curadores han estado trabajando con total autonomía tanto entre sí como con la curaduría general. Las únicas limitaciones impuestas son de naturaleza práctica, como los presupuestos y el uso del espacio físico dentro del Pabellón Bienal “, explica Pérez-Barreiro.
Guiados exclusivamente por el concepto de ‘afinidades afectivas’ y por la premisa de que sus propias obras de arte también deben integrar su proyecto curatorial, cada uno de los artistas-curadores ha respondido a la invitación de Pérez-Barreiro a su manera individual, adoptando diferentes metodologías y estrategias curatoriales . “Si bien algunos han adoptado estrategias que son más museográficas e históricas, seleccionando obras de arte existentes, otros han propuesto espectáculos que presentan piezas exclusivamente encargadas, que establecen una especie de curaduría colectiva en un proceso horizontal de investigación artística. Las propuestas son siete ejemplos diferentes de metodología curatorial ‘, agrega.

Los proyectos

Para su exposición Stargazer II, Mamma Andersson seleccionó un grupo de artistas que han inspirado y alimentado su propia producción como pintora. La selección incluye una amplia gama de referencias, como iconos rusos del siglo XV,  Henry Darger (EE. UU., 1892-1973) y Dick Bengtsson (Suecia, 1936-1989), y artistas contemporáneos, como el cineasta Gunvor Nelson (Suecia, 1931) y el piloto de combate y artista sonoro Åke Hodell (Suecia, 1919-2000), entre otros. Los participantes comparten un interés común en la figuración expresiva y el cuerpo humano. “Me interesan los artistas que trabajan con la melancolía y la introspección como forma de vida y como estrategia de supervivencia”, explica Andersson. La exposición también incluye una gran cantidad de pinturas de Andersson, que presentan un diálogo vibrante entre su producción y su inspiración artística.
Antonio Ballester Moreno aborda su proyecto curatorial para la 33ª Bienal de São Paulo como una forma de contextualizar un mundo basado en la relación íntima que existe entre la biología y la cultura, con referencias a la historia de la abstracción y su interacción con la naturaleza, la pedagogía y la espiritualidad. Para este propósito, reúne el trabajo de filósofos, científicos y artistas: “porque todos somos creadores de nuestro mundo, pero entiendo que esa variedad de idiomas nos ha separado del sentido común, por lo que esta propuesta se centra en el estudio de nuestros orígenes, ya sea en relación con aspectos naturales, sociales o subjetivos, los tres ejes que organizan la exposición “, afirma Ballester Moreno.
Titulado Sentido / comum [común / sentido], su proyecto abarca juguetes educativos de las vanguardias históricas, obras de arte de la Escuela de Vallecas (un movimiento vanguardista español de los años 30 cercano al surrealismo) y obras de artistas contemporáneos. Entre los participantes (incluido el propio artista-curador), la exposición presenta al filósofo y educador Friedrich Fröbel (Alemania, 1782-1852); Andrea Büttner (Alemania, 1972); Mark Dion (EE. UU., 1961), quien presenta un proyecto encargado; y Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (España, 1979), que es miembro del colectivo Atenta cuya investigación se centra en las prácticas de atención en el campo del arte. Además de participar en el espectáculo de Ballester Moreno, Paniagua también ha contribuido a la publicación educativa de la 33ª Bienal, Convite à atenção [Invitación a la atención], con un nuevo texto escrito para la ocasión.
El proyecto curatorial de Sofía Borges, titulado A Infinita História das Coisas ou Fim da Tragédia do um [La historia infinita de las cosas o el final de la tragedia de uno], explora un collage de referencias mitológicas basadas en interpretaciones filosóficas de la tragedia griega. Su propuesta es la formulación de un espacio activo para investigar los límites de la representación y la incapacidad del lenguaje para mediar en lo real. “En mi trabajo, he pasado años intentando usar imágenes para revelar el estado de la representación de las cosas, hasta que entendí que no hay solución para esto porque, de hecho, es una cuestión de significado. El lenguaje es trágico per se, ya que es ambiguo. Un material no puede usarse para hablar de otro “, explica el artista.
Bajo esta premisa conceptual, el proyecto de exhibición se basa en un modelo curatorial mixto en el que la selección de obras de arte específicas va acompañada de obras encargadas por artistas invitados. Una de las singularidades de la propuesta de Borges -que incluye trabajos de Jennifer Tee (HOL, 1973), Leda Catunda (BRA, 1961), Sarah Lucas (Reino Unido, 1962) y Tal Isaac Hadad (FRA, 1976), entre otros- es confrontar la exposición como algo conjurado más allá del espacio pero también a tiempo. Como tal, el espectáculo se activará durante tres meses a través de un programa de experimentación propuesto por el artista-curador que explora la interacción entre las obras de arte, los artistas y los invitados.
Waltercio Caldas, cuya producción siempre se ha basado en la historia del arte, propone una sala de exposiciones donde obras de arte de diferentes artistas se enfrentan a sus propias obras. “Dado que la práctica de un artista se ocupa de numerosos temas que varían a lo largo del tiempo, he elegido obras de arte que se desvían de sus aspectos más conocidos y que se destacan por su calidad y especificidad. Los resultados de las relaciones entre las piezas seleccionadas se convirtieron en mi principal interés “, explica el artista.
La propuesta de Caldas presenta una reflexión sobre la poética, así como la naturaleza de las formas y las ideas y su implicación en la producción de arte desde finales del siglo XIX. “Al observar la tensión entre estas obras de arte muy diversas, he buscado las sorpresas iluminadoras que surgen de su fricción”. Desafiando su propio trabajo y destacando interacciones a menudo inesperadas, como entre la obra de Victor Hugo (FRA, 1802-1885), Jorge Oteiza (SPA, 1908-2003) y Vicente do Rego Monteiro (BRA, 1899-1970) – ver la aparición de nuevas posibilidades de leer arte.
La propuesta de Alejandro Cesarco se basa en su interés en temas como la repetición, la narrativa y la traducción. Ha seleccionado obras de arte de artistas que comparten algunas de sus preocupaciones conceptuales y estéticas. Titulado Aos nossos pais [A nuestros padres], el programa “cuestiona cómo el pasado (nuestra historia) tanto habilita como frustra las posibilidades, cómo reescribimos el pasado con nuestro trabajo y cómo se produce la diferencia en la repetición”, explica Cesarco. Además del artista-curador en persona, la exposición presenta artistas de tres generaciones diferentes, incluidos Sturtevant (EE. UU., 1924 – Francia, 2014), Louise Lawler (EE. UU., 1947) y Cameron Rowland (EE. UU., 1988). “Dedicar el espectáculo a una relación primaria (biológica o adoptada, literal o metafórica) es una forma de construir una genealogía y tratar de acercarnos a la fuente central de nuestras comprensiones, métodos, inhibiciones, posibilidades y expectativas”.
Para su exposición titulada O pássaro lento [El pájaro lento], Claudia Fontes recurre a una metanarrativa: un libro ficticio del mismo título cuyos contenidos son desconocidos, a excepción de algunos fragmentos y algunos restos materiales. Tanto Fontes como sus artistas invitados presentan obras de arte que activan los vínculos entre las artes visuales, la literatura y la traducción, a través de experiencias que proponen una mayor temporalidad como una alternativa al moderno fetiche de la velocidad. “La experiencia de la velocidad y la lentitud son experiencias políticas enraizadas en el cuerpo. Ambos influyen en la comprensión del espacio, la distancia y el azar. Durante más de un siglo, nuestra especie fue entrenada desde una edad temprana para despreciar la lentitud y desear la velocidad. Como resultado, ahora todos estamos luchando cuando intentamos imaginar una forma diferente de estar con uno mismo y con los demás “, afirma Fontes.
En un proceso curatorial horizontal y de colaboración, cada participante, con la excepción de Roderick Hietbrink (Holanda, 1975), produjo trabajos por encargo para la ocasión: Ben Rivers (Reino Unido, 1972), Daniel Bozhkov (Bulgaria, 1959), Elba Bairon (Bolivia , 1947), Katrín Sigurdardóttir (Islandia / EE. UU., 1967), Pablo Martín Ruiz (EE. UU., 1964), Paola Sferco (Argentina, 1974), Sebastián Castagna (Argentina, 1965) y Žilvinas Landzbergas (Lituania, 1979).
Para su proyecto expositivo titulado Sempre, nunca [siempre, nunca],compuesto exclusivamente por obras de arte comisionadas, Wura-Natasha Ogunji invitó a los artistas Lhola Amira (Sudáfrica, 1984), Mame-Diarra Niang (Francia, 1982), Nicole Vlado (EE.UU. , 1980), ruby ​​onyinyechi amanze (Nigeria, 1982) y Youmna Chlala (Líbano, 1974) para crear, como ella, obras de arte a través de un proyecto curatorial colaborativo y horizontal. El trabajo de estos seis artistas abarca desde lo íntimo (cuerpo, memoria, gesto) hasta lo épico (arquitectura, historia, nación) ‘, explica Ogunji. “En un diálogo abierto y continuo, nuestros proyectos individuales abarcan diferentes prácticas y lenguajes, intersectando ideas y preguntas cruciales para la experimentación, la libertad y el proceso creativo”.
La práctica de cada artista se ve afectada por sus historias individuales y por la compleja relación que tienen con su tierra, naciones y territorios. “Pero no es el hecho de los orígenes o las patrias lo que es revelador, sino que su trabajo subvierte las narrativas hegemónicas y abraza las interrupciones como aperturas necesarias”, agrega el artista-curador.
Fuente: Bienal de San Pablo
PH de portada: escultura de Elba Bairon, participante del proyecto curado por Claudia Fontes.

Fuente
https://jaquealarte.com

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