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sábado, 16 de diciembre de 2017

SERGIO GARVAL

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México
Las obras del artista mexicano Sergio Garval se caracterizan por explorar al hombre contemporáneo y su inherente temporalidad. Su muestra Ozymandias, desplegada en el Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), reúne más de 40 piezas que son un recorrido por simbolismos y desbordamientos plasmados en óleos, esculturas al bronce, dibujos y grabados, que constituyen una revisión de su trabajo en los últimos años.
Ozymandias es el nombre del proyecto con el que obtuvo una beca del Sistema Nacional de Creadores, pero también es el título del soneto de Percy B. Shelley, una referencia literaria ideal para quien explora con su pincel el absurdo y el sinsentido: “Me topé con este poema y me pareció muy interesante su reflexión sobre el poder y sobre cómo las arenas del tiempo van devorando todo el quehacer humano a su paso. Ubica al hombre en un contexto de humildad hacia lo que es el tiempo”, afirmó el artista para MILENIO.
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Según Garval, aunque los poderes fácticos humanos “asumen soberbiamente posturas de eternidad”, los versos de Shelley les recuerdan que ningún hombre, ni siquiera los grandes imperios, están exentos del paso del tiempo. Estas reflexiones de connotaciones humanistas son las que se encuentran plasmadas en buena parte de su obra, en la que explora la ironía, la relación del adulto con la infancia y el desgaste de los objetos.
“Cada pieza tiene su particularidad y simbolismos. El punto de referencia es el hombre con su contemporaneidad, pues represento a los elementos con los que tenemos una relación estrecha. Tal es el caso del tiempo, que está presente a partir de la degradación que se hace dentro de los escenarios. Me interesan las atmósferas psicológicas de la escena, en donde el espectador es invitado a hacer un juego de reflejos y confrontaciones”, señaló Garval, quien también forma parte del proyecto El MILENIO visto por el Arte.
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Sus cuadros muestran hombres y mujeres que deambulan, que naufragan sobre acumulaciones y “basureros” de maletas, juguetes, sillas y otros objetos sobre los cuales el tiempo ya dejó su marca. Tal es el caso de la serie Exquisitos pepenadores, algunas de cuyas piezas se encuentran en la exhibición.
“Los personajes de esos cuadros no son pepenadores cualesquiera. Se encuentran en tiraderos de basura no convencionales, sofisticados. Las inundaciones de juguetes están formadas por objetos lúdicos, que llevo al extremo, porque algo que me interesa es explorar la relación del adulto con los objetos de la infancia. Los juguetes no son nuevos en ninguno de los casos: el uso y la convivencia los han desgastado, pero, a su vez, el tiempo los ha impregnado de una riqueza emocional que los objetos nuevos no tienen. Es una basura emocional”, comentó Garval.
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Otros objetos presentes en su obra son las maletas pues, en sus palabras, simbolizan el viaje existencial del ser humano, durante el cual se va llenando de contenidos que “va cargando y descargando continuamente”.
Para el artista, su trabajo busca crear una obra simbólica que permita distintas lecturas desde un espacio de libertad: “Parte del proceso creativo es absorber lo que te rodea, de donde surgen las ideas. Yo trabajo con series, pues es difícil que una pieza en sí misma tenga todas las inquietudes estéticas y conceptuales que quiero explorar. Me gusta hacer series que me permitan ver distintos ángulos de realización, a fin de generar un contexto más rico en lecturas”, señaló.
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La exposición, abierta al público gratuitamente de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas, permanecerá hasta diciembre en el Museo de Arte de la SHCP, Moneda 4, Centro Histórico.
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MARTIN-GEORG OSCITY

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                                                               MARTIN-GEORG OSCITY

“My leading thoughts bear on the man in the universe, God creation and his mission on the Earth. I am also concerned by historic, philosophic-religious, scientific themes, and particularly in the quantum « all is in all». I would like to express the holy sparkle which lies inside every man and the fact that he is unique in the space and the time.”

Born in Bratislava (Slovakia) in 1952, Martin-Georg Oscity took refuge in Switzerland in 1968.

Certificated by the Applied Arts Academy in Bern, Martin-Georg also graduated from the Fine Arts of Munich (Germany). Since 1982, he worked as a free lance graphic designer for Product Creation and Kreis-Agentur agencies. In 2000, he created VISIONART and devoted to painting. Since 2000 he works on monumental paintings, fresco, still life depiction and oil paintings.

His paintings have been exhibited all around the world through more than 110 exhibitions. His work as graphic designer was awarded in Basel (first prize 1978), Paris (first prize 1985), and Toronto (second prize 1990).

More information at: 



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                                            http://www.visionart-malerei.de/index.php

MARTÍN LA SPINA


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  Martín La Spina  


Esta Cyber-entrevista fue realizada vía e-mail en el mes de Julio de 2001, por la artista plástica Susana Weingast (SW) al artista plástico Martín La Spina (MLS)nacido y radicado en La Plata, Argentina

SW---- ¿ Porqué decidió que iba a ser artista, o que se iba a dedicar a las artes plásticas?

MLS—Fue un camino que inicié desde muy chico. A la pregunta “¿Qué vas a ser cuándo seas grande?” Tuve períodos en los que respondí: científico, zoólogo, paleontólogo, maestro, dibujante. Creo que me fuí quedando con la última opción aunque, el que conoce mi pintura podrá constatarlo, las ciencias de la naturaleza nunca dejaron de interesarme ya que las utilizo como referencia y motivo de mi obra.
Casualmente acabo de ilustrar una guía de serpientes.

SW---- ¿Quiénes son en su carrera, los  Maestros, con los  que se siente mas identificado?
MLS—El tema de las influencias externas en la obra de un artista es complejo y a veces muy difícil de determinar. Evidentemente, en mi etapa de formación he recibido mucho de mis profesores, aunque nunca me he encontrado con ninguno que haya guiado significativamente mi obra, quizás eso sea una falencia, quién sabe; lo cierto es que en mi pintura confluyen muchas tendencias que, creo yo, las he tomado más de la historia de la pintura: Lo medieval, los clásicos, los ingenuos, los surrealistas están presentes en mis cuadros. Soy un apasionado de la pintura, y tomo de todos los grandes maestros lo que me sirve para mi obra.
Si me pongo a elegir a quiénes salvaría en el Arca de Noé de la pintura, no me olvidaría de Miguel Ángel, el Bosco y Dalí.

SW-- ¿Siempre Ud. elige la pintura, que bases prefiere, que materiales, prefiere?
MLS—Trabajo con diversos materiales; de acuerdo a lo que quiero expresar o la etapa creativa que esté atravesando. Óleo sobre tela (es la técnica que más trabajo), esmalte sintético sobre muros (he realizado muchos  murales infantiles), acuarelas sobre papel, técnicas mixtas de dibujo y collage, y una técnica experimental mía de mosaico de vidrios coloreados sobre vidrio traslúcido o metal

SW --¿ Sus Obras son siempre con color, o también tiene en blanco y negro?  
MLS--Tengo una parte de mi producción en dibujo, blanco y negro o en gamas muy reducidas.

SW--- ¿ Porqué prefiere el color para expresarse? 
MLS. Aunque utilizo una base muy determinante de dibujo en mi trabajo, me defino como pintor, ya que el color ha ejercido siempre en mí una atracción irresistible..  El porqué de mi pintura es comunicar  determinadas ideas y sensaciones que emanan de mi mundo interior. No podría trabajar sin  el color, ya que el color demuestra el estado del alma, y llega al alma. Pienso que el color es portador de una energía vital que trasciende las formas que lo contienen.

SW-- ¿ Se considera un dibujante y pintor Clásico?
MLS- El arte ha dado tantas vueltas y contra-vueltas que es muy difícil determinar qué es lo clásico, y los clasicismo nunca fueron bien vistos; ya que pretendieron resucitar el pasado y olieron a sarcófago. Pero hasta las vanguardias, que quisieron fundar un nuevo arte, tomaron motivos, temas, técnicas y tuvieron como Maestros a los Clásicos; y hoy ya son clásicos.
No se puede huir de la historia y negarla, pero tampoco quedarse en ella servilmente. 
Yo no desdeño mi vertiente clásica, pero creo que el mensaje de mi obra no es copiar fórmulas clásicas sino decir cosas nuevas; cosas que tienen que ver conmigo, y yo vivo en el siglo veintiuno.
SW -- ¿Cómo logra la planificación tan perfecta del misterio y la realidad?

MLS --Para mí, la vida “real” está cargada de significación mistérica. El mundo sin milagro, sin magia; es un lugar desolado.
Este esquema de pensamiento de la humanidad tiene ecos ancestrales y  ni el racionalismo más despiadado del siglo pasado ha logrado acallar esta voz mística y primordial. En mi pintura quiero poner todo a la luz e inventar realidades posibles que no son más que materializaciones de ideas imposibles. Para qué es el arte sino  para crear otros mundos, otras realidades y hacer visible lo que hay dentro del espíritu humano.

SW--¿Cómo logra algo tan difícil como plasmar lo onírico de la Obra?  
MLS---Qué es un cuadro sino un sueño materializado?
SW—¿Cómo logra desarrollar, desde la técnica, una Obra?

MLS---Creo que la técnica se va desarrollando en función de lo que se quiere comunicar.
No  aprendo una técnica y luego la aplico sino que voy descubriendo, experimentando, conociendo los materiales y sus propiedades; así, las técnicas  van creciendo en función de una necesidad interior. De ese diálogo entre la idea y el material surge la obra.

SW ---¿Qué siente ante los efectos sorpresa de los materiales?


MLS—Si se utiliza el material con libertad, los efectos sorpresa enriquecen la imagen, hay que dejar que la obra crezca sola, que vaya naciendo. Yo, en muchos casos, voy construyendo desde una mancha de color, o voy sumando elementos, asociándolos, como armando un rompecabezas. En otros casos dibujo, y el color va surgiendo solo.
SW---¿Ud. cree que su obra llama más la atención del espectador por la técnica o por la imágen?
MLS—La imágen está construída por una “manera de hacer”, o técnica. Si llama la atención, es por las dos cosas. Yo espero comunicar con mi obra; si el mensaje llega, que llegue como sea: hasta el rechazo o desagrado es preferible a la indiferencia.

SW---¿Qué siente cuando su Obra esta terminada y lista para ser expuesta y además, quizás recibe un premio?
MLS---La mayor satisfacción para mí está en el proceso del hacer. Si logro una conexión con el que mira un cuadro, y recibo opiniones o elogios, es muy gratificante, porque esto termina de cerrar el ciclo que comienza al enfrentarse uno con la tela en blanco, pero insisto; lo que me mueve a haber elegido este camino es el acto de pintar. Siento que al estar pintando ya estoy sacando algo de mí, ya me estoy comunicando con los que van a ver la obra terminada. © 2000
Susana Weingast
Copyright 2001 – Susana Weingast – Todos los derechos reservados.


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Nace en La Plata, Argentina en 1973. En 1999 se gradúa como Profesor y Licenciado en Bellas Artes (orientación pintura) en la Facultad de Bellas Artes (Universidad Nacional de La Plata). Distinción J. V. González, a los mejores promedios egresados de la UNLP. 

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, y participado de salones de dibujo , pintura y Arte en Vidrio desde 1989 hasta la fecha, Habiendo recibido premios y menciones por su labor artística.

Expone individualmente desde 1990. Durante 2002 realiza diversas exposiciones en Barcelona, entre ellas en la galería Rainbow, de Sitges. 

En 2003 estudia realización escenográfica en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, (Arg.) 

En 2005 realiza nuevamente exposiciones en Barcelona, de las que se destaca ?Clasicismo y modernidad? en la galería ArtBubble-Rubí.

En 2006 su obra ?Meninas en Metamorfosis? es publicada por el Museo Nacional del Prado en el marco de las actividades relativas al Año Picasso.

Como muralista, ha realizado diversos trabajos, entre ellos el mural mosaico ?La Anunciación?, para la iglesia Na. Sra. de los Milagros, de Villa Elisa. Participa como muralista invitado en las Jornadas de Arte Público organizadas por el Movimiento Nacional de Muralistas en 2000 y 2002 (Mar del Plata) y en 2004 (Carlos Paz) realizando arte público donado a instituciones. Se desempeña en la docencia en la Cátedra de pintura mural , de la Fac. de Bellas Artes de la UNLP, desde 1996.

En el campo del arte infantil, ha ilustrado libros para diversas editoriales en Argentina. Ilustró además la Guía de ofidios bonaerenses (2000) y su obra ?Te cubrirá con su sombra?, fue el sello de Navidad 2001 del Correo Argentino.

Como vitralista, realiza en 2002 en el Centre de Vidre de Barcelona el curso ?Nuevas Técnicas aplicadas a la vidriera Contemporánea?, con beca de la Generalitat de Catalunya. Es docente el la Tecnicatura Superior en Vitral del Instituto Superior Catedral desde 2001. Realiza trabajos de Diseño de vitral, como los 15 vitrales para el Ámbito ecuménico Tir Na Nog. Integra el grupo de arte en vidrio ?Asterisco Atelier?, con el que realiza, en 2004, la gran Lucarna ?San Jorge y el Dragón?. 



Exposiciones individuales:


2005 "Clasicismo y Modernidad", galería de arte Art-Bubble, Rubí, Barcelona

2004 ?Universos de luz? Museo Fra Angélico. UCALP

?Expoarte dosmilcuatro?: 1º ciclo de muestras rotativas de Graduados de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Centro Universitario de Idiomas. 18 de Junio al 16 de Septiembre. Bs.As-La Plata

2003 ExpoArte. C.U. I . UNLP

2002 Galería Rainbow. Sitges, Barcelona.

Galería Kairos, Barcelona

2001 ?Serpientes de la Prov. De Buenos Aires? Agremiación Médica Platense. La Plata

Casa de la Cultura de la Universidad Nacional de La Plata.

?Microcosmos? Espacio Cultural. V. Elisa.

2000 Galería Martina Céspedes. Buenos Aires.

1998 Defensa de Tesis de Licenciatura, Museo Beato Angélico, UCALP, La Plata.

Teatro Municipal Coliseo Podestá. La Plata.

Galería Martina Céspedes. Buenos Aires

Universidad Católica de Salta. Buenos Aires

1997 Galería Martina Céspedes 

1996 Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires. La Pata

Teatro Cátulo Castillo. Buenos Aires

1990 Galería Ambrosio Aliberti. La Plata.


Premios:


2005 Concurso "Web Color" Galería De Arte Kleinos, Italia, Indicado

2003 7º Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Berazategui, 2º premio

2000 XXX Salón Nacional de Arte Sacro de Tandil, 4ta Mención.

1997 1º Salón de Arte Sacro Joven, Catedral de La Plata, Mención de Honor

1997 Salón Havana 1997, Centro Cultural Golden Shopping, 3er Premio.

1996 XVII Salón [-].P. Sección dibujo, La Plata, Primer premio.

1995 III Salón de Arte Joven de la Provincia de Buenos Aires, Mención especial.

1994 III Salón Universitario, La Plata, Mención de honor.

1991 Concurso de Ilustración del Grupo Arte Gráfico, La Plata, Primer premio.


Curriculum Vitae English

He was born in La Plata, Argentina, in 1973. He was graduated as a Professor and Bachelor of Fine Arts (painting orientation) in the Fine Art College (National University of La Plata) with a distinction for his high qualifications (J. V. González Degree).

He has participated in many exhibitions, either single or collective. He was also specially invited, in Painting, Drawing and Art in Glass Saloons from the year 1989 until now.

He received many rewards and prizes for his artistic work.

Since 1990 he has performed his own individual exhibitions. During 2002 it was in the city of Barcelona, Spain, where he exposed his paintings, among many other galleries we can mention Rainbow Gallery, in Sitges.

In 2003 he studied scenography in the Superior Institute of Art of the Colon Theatre, in Buenos Aires.

In 2005 new exhibitions were performed in Barcelona. It is worth mentioned ?Classicism and Modernity?, in Art Bubble-Rubi Gallery.

In 2006 his art work ?Meninas under metamorphosis? was published by the Prado National Museum as part of the activities related with Picasso's year.

As a mural artist, he performed many jobs, between them, the mosaic mural ?The Annunciation? for the Villa Elisa Church.

He participated as a ghest mural artist in the Public Journies of Art organized by the National Movement of Muralists since 2000 until now (Mar del Plata 2000- 2002, Quilmes 2004, Carlos Paz 2004- 2006)

He is a teacher of mural art in the Fine Art College, University of La Plata, from 1996.

In the field of Artistic Work for children, he illustrated many books for different Publishing Houses in Argentina. He made illustrations for the ophidian Buenos Aires Guide (2000) and with his painting ?He will cover you with His shadow? was the official Christmas Stamp for the Argentinian Mail.

As a stained-glass artist he was a member of the course ?New Applicated Techniques for the contemporary glass?, with a scholar-ship from the Catalunya Government. At the moment he is a teacher for the Cathedral Superior Institute of Stained Glass window, that gives a technical degree. ? study in La Plata. He is a member of the Art in glass group Asterisco Atelier, with this group he is working since 2004 in the great ceiling window ?St George and the Dragon?.

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viernes, 15 de diciembre de 2017

El millonario mundo del arte repunta en 2017



Cuestiones políticas y económicas podrían definir su curso


No es sorpresa que el mundo del arte se relacione con el dinero. Cientos de obras de grandes aristas se han vendido durante los últimos años por miles de millones de dólares. De acuerdo con una publicación realizada por el portal Artnet, en ese año obras pertenecientes a Leonardo Da Vinci, Jean-Michel Basquiat y Vincent van Gogh fueron las obras de arte vendidas más caras del mundo.
En el listado el "Salvator Mundi", perteneciente a Leonardo da Vinci, se vendió en 450 millones de dólares (mdd) por la casa de subastas Christie's en Nueva York. Le siguen en la lista el "Untitled" del artista francés Jean-Michel Basquiat, vendida por 110.5 mdd por la casa Sotheby's también en la Gran Manzana y el "Laboureur dans un champ" de Vincent van Gogh subastada por 81.3 mdd por Christie's en su locación neoyorquina.
La lista continúa con la obra "Contraste de formes" del pintor cubista francés Fernand Léger, vendida por 70 mdd y "Sixty Last Suppers" del famoso Andy Warhol, adquirida por 60.9 mdd, ambas por Christie's. Por su parte "Bauerngarten", por el austriaco Gustav Klimt, alcanzó los 59.9 mdd por Sotheby's, "La muse endormie" del rumano Constantin Brancusi fue subastada por 57.4 mdd por Christie's, "Lady and the Swan" del estadounidense Cy Twombly se valoró en 52.9 mdd también por la casa Christie's, "Three Studies for a Portrait of George Dyer" del británico Francis Bacon rematada en 51.8 mdd y cierra la lista la obra "Yellow mountain" del chino Huang Binghong, la cual alcanzó los 50.6 mdd gracias a China Guardian Auctions Co.
De acuerdo con el informe "Art & Finance Report 2017", realizado por la firma privada Deloitte, durante este año las ventas en las subastas se recuperaron en el primer semestre de 2017 y la perspectiva para el 2018 es positiva pues las adquisiciones totales en las principales casas de subastas como Sotheby'sChristie's Philips aumentaron un 18%en los primeros 6 meses, en comparación al mismo periodo de 2016. Sin embargo, de acuerdo a una encuesta realizada por ArtTactic, las incertidumbres políticas y económicas puede crear un riesgo en el desarrollo del arte global en 2018.
Cada vez es más frecuente que los bancos busquen ofrecer un fondo de inversión artística para sus clientes, pues se observa un área de oportunidad con ello
Tal es el caso del Brexit, en donde el Reino Unido junto con la Unión Europea van en camino a la segunda ronda de negociaciones para una salida efectiva del país comandado por la primer ministra Theresa May. De acuerdo con el informe de Deloitte, la disminución de la libra esterlina podría motivar a los compradores fuera de Europa a aprovechar los beneficios de un tipo de cambio más bajo. No obstante un 38% asegura que el mercado tendrá una baja en los próximos 12 meses.
Por su parte, en Latinoamérica, en el 2016 se observó una baja del 27.2% seguido de un crecimiento estable basado en la encuesta de ArTactic. Existe una duda sobre qué pasará con el mercado en esta zona, pues un 34% asegura cómo éste crecerá, mientras un 37% señala una baja para el Arte Moderno y Contemporáneo en la región durante el 2018.
El mundo del arte espera un retorno positivo tanto para el Arte Contemporáneo como el Impresionista con un porcentaje del 7.45% y 10.50% respectivamente. Por otro lado, los rendimientos del negocio se recuperaron los últimos 12 meses; el mercado de diversión artística general durante la primera mitad del 2017, se estimó en 834 mddcomparado con los 1.03 mil mdd en 2016 y los 1.2 mil mdd en 2015.
Sobre la inversión, un número pequeño de bancos planea ofrecer productos de fondos de inversión artística para 2018. Una encuesta sobre generadores de riqueza muestra cómo el 13% de los gestores de patrimonios considera probable el ofrecimiento de productos de fondos de inversión artística a sus clientes para el siguiente año. No obstante, el 43% de los profesionales afirmó que estos fondos son un servicio muy relevante para sus clientes y el 37% de los coleccionistas señaló lo mismo.
MP/dpa
Fuente
https://www.mypress.mx

Una fiesta de u$s 226 millones iluminó a París, con grandes pujas en los remates




En tres semanas, la presencia de imágenes africanas e indígenas revolucionó la capital de Francia. Artistas con esas inspiraciones rompieron los pronósticos

Durante las últimas tres semanas, la capital del mercado de arte ha sido París. Sothebys realizó siete subastas y recaudó u$s 106 millones, es el arte indígena y africano el que alcanza sumas enormes, unas maderas llamadas palas de 77 centímetros de largo y que provienen de la Isla de Pascua, que eran usadas para rítmicos movimientos durante las danzas tribales, alcanzaron u$s 4,5 millones, se movían como si fueran abanicos, no creo que sean usadas ahora para los bailes occidentales.

Una figura en bronce del siglo XV, de un Dios tailandés en bronce y de 55 centímetros de altura se vendió en u$s 1,35 millón, una típica obra de Jean-Michel Basquiat se vendió en u$s 4,3 millones, y del cubano Wilfredo Lam (1902-1982) se estableció un nuevo récord, en u$s 5,2 millones una típica obra de 1962 y de generosas medidas (150 x 220 cm), muchas de sus obras están inspiradas en el arte africano y han sido realizadas en la ciudad de la luz. Un típico mueble de aparador Boulle, realizado en 1735, alcanzó los u$s 700 mil, y hay muchos de ellos aún en colecciones argentinas.

La locura fue para una obra del genial escultor François-Xavier Lalanne, famoso por sus lanudas ovejas que se pagan más de un millón, en este caso era un Bar con dos avestruces, realizadas en porcelana de Sèvres y generosas medidas de 143 x 200 centímetros, realizadas en cantidad de seis en 1967, se pensaba que se vendería en u$s 700 mil, pero la puja fue tremenda y se vendió en u$s 7,3 millones, diez veces más que lo estimado. París tiene un sistema de comisarios de precios, como se los llama a los rematadores, que es de la época de Napoleón y recién hace pocos años han autorizado a casas de subastas extranjeras a operar en el territorio de Francia, creo que ahora con el Brexit se verán favorecidos y sus ventas, que suelen ser solamente el 5% del mercado, crecerán mucho. Christies realizó 15 ventas y recaudó u$s 120 millones, muy buenas han sido sus ventas en el año de arte de postguerra y contemporáneo donde han vendido u$s 113 millones, superando sus ventas históricas en Francia. El artista francés moderno más demandado es Jean-Paul Riopelle (1923-2002), sus obras abstractas de buen empaste y muy coloridas son las más buscadas y una de 2 x 3 metros alcanzó nuevo récord y se vendió en 5,7 millones de dólares, también se vendieron joyas, muebles, antigüedades, arte africano y asiático, libros y hasta un mármol de Antonio Canova, un busto poco atractivo de 66 centímetros pero bien documentado que llegó a los u$s 5 millones.

París conserva buenos anticuarios y una gran cantidad de colecciones de arte local, pero también de arte asiático ya que los franceses eran los más demandantes, otro tanto ocurre con el arte africano que está siendo valorizado día a día, ya con la comunidad europea no tienen las trabas que había para sacar las obras del país y se ha equiparado con Londres y Nueva York. El edificio de Sothebys era la antigua Galería Charpentier donde tuvieron sus grandes éxitos nuestros Quinquela Martín y Cesáreo Bernaldo de Quirós, en el Faubourg Saint-Honore, y la sala de Christies era una galería de arte propiedad de LOréal de París, donde exponía la escultora argentina Alicia Penalba con gran éxito. Hoy no es el refugio de los grandes artistas, como lo fue durante muchas décadas en el siglo XX, pero los coleccionistas disfrutan de las oportunidades y la fabulosa actividad cultural de la ciudad.

Fuente

https://www.cronista.com

Monumental escultura de Jorge Marín frente a Bellas Artes



Ciudad de MéxicoEl ruido generado por el choque de los cuerpos es el sugerente título de la monumental escultura con la que el artista plástico Jorge Marín ha “intervenido” la explanada del Palacio de Bellas Artes. Realizada en bronce a la cera perdida, cuyas medidas son 220 x 700 x 100 centímetros, y un peso de mil 700 kilogramos, en ella se aprecian tres figuras (dos masculinas y una femenina) totalmente envueltas en telas, que transitan sobre una barca en frente del edificio marmóreo.



El escultor Jorge Marín posa frente a su pieza 'El ruido generado por el choque de los cuerpos' con la que interviene la explanada del Palacio de Bellas Artes. Foto Roberto García Ortiz


Hoy, en su presentación ante la prensa, Marín expresó su deseo que cada quien encuentre su propia interpretación a la obra cuya producción llevó dos años de trabajo. La escultura forma parte de un proyecto del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo del Palacio de Bellas Artes de llamar la atención del público que pasa de prisa y tal vez no se da tiempo de entrar a ver las exposiciones.
“La interpretación depende de la historia, sensibilidad e inquietudes de cada persona, grupo o sociedad que se vea confrontada a la obra”, explicó el artista. “A mí me hace pensar en el transformación de un país. Estamos en el capullo a punto de renacer en algo inesperado”.
El ruido generado por el choque de los cuerpos contará con varias actividades como tres talleres de sensibilización artística y una conferencia sobre arte en el espacio público. En enero próximo se hará un “recorrido dinamizado”, laboratorio enfocado en el transeúnte con el objeto de detener su acelerado andar. En febrero habrá un “recorrido a ciegas”, laboratorio sensorial dirigido a las personas invidentes. En marzo se abrirá un foro a través de las redes sociales para dialogar con Marín sobre la escultura.
Para más detalles se puede consultar las redes sociales del Museo del Palacio de Bellas Artes (@MBellasArtes) o las de Jorge Marín (@AlasJorgeMarin).
La obra permanecerá hasta el 11 de marzo.

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