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miércoles, 22 de noviembre de 2017

Las Artes en vivo, protagonistas del Reina Sofía las próximas semanas

En el marco de la exposición dedicada a su obra Todas las variaciones son válidas, incluida esta, Esther Ferrer impartirá una conferencia performativa, dividida en dos sesiones, El arte de la performance: teoría y práctica (1) y (2), donde se cuestiona qué se entiende del género performativo, qué se transmite y cuánto de lo transmitido es comprendido por el público.
Jueves, 23 de noviembre de 2017 – 16:00 h / Palacio de Velázquez, Parque del Retiro
TA, TE, TI, TO, TU
En esta acción, de naturaleza radiofónica, Esther Ferrrer invita a los participantes a realizar un itinerario por diferentes espacios de la ciudad junto a ella. En el recorrido, de aproximadamente dos horas, el grupo repetirá incansablemente: TA, TE, TI, TO, TU…,
Jueves 23 noviembre de 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Trança, de Thiago Granato
El coreógrafo brasileño residente en Berlín Thiago Granato presentará Trança, la segunda parte de la trilogía Coreoversaciones, una investigación coreográfica iniciada por el artista en la Akademie Schloss Solitude de Stuttgart durante una residencia entre 2013 y 2014.El concepto principal que estructura el proyecto es la creación de tres solos de danza basados en conversaciones coreográficas imaginarias con coreógrafos del pasado, del presente y del futuro respectivamente. De este modo, lo que comienza siendo un proceso de reflexión retrospectiva termina planteando una proyección ficticia en la que el artista pone su cuerpo a disposición de otros.
Thiago Granato es profesor en DOCH Universidad de Danza y Circo en Cullbergbaletten (Estocolmo, Suecia) y en el departamento de Danza y Teatro Modernos de la AHK en Ámsterdam (Holanda). Durante los años 2013 y 2014 fue artista residente en la Akademie Schloss Solitude en Stuttgart (Alemania), periodo durante el cual desarrolló el proyecto Coreoversaciones; y en 2015 lo fue del Centre International des Recollets en París (Francia). En 2017, crea Hosts, una pieza coreográfica realizada junto con catorce estudiantes como parte de la programación del departamento de Teatro y Danza Moderna de la AHK. Actualmente, trabaja en la tercera parte de la trilogía Coreoversaciones.
Viernes 24 noviembre de 2017 – 18:30 h / Edificio Sabatini, Planta 1, Sala 102
Acción!MAD17. XIV Encuentro de Arte de Acción
El Museo Reina Sofía acoge un año más la iniciativa Acción!MAD – Encuentros Internacionales de Arte de Acción que tiene lugar en Madrid durante los meses de octubre y noviembre en diferentes espacios.
Acción!MAD es una plataforma independiente centrada en el apoyo a la creación, difusión y promoción del arte de acción. Para esta edición se ha retomado la pregunta clave que recorre este proyecto desde sus inicios: ¿existe un espacio físico y simbólico ideal para el arte de acción? De ser así, ¿se ajustaría este a la “caja negra”, el espacio institucionalizado para las artes escénicas, del mismo modo que el “cubo blanco” parece serlo para las artes visuales?
Programa: Acciones de: Nathalie Stirnimann y Stefan Stojanovic (Suiza); Pascale Ciapp (Francia); Hector Navarro (España) y Monika Szufladowicz (Polonia).
Domingo 26 noviembre de 2017 – 19:30 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Laibach. We Forge The Future
En el marco de la exposición NSK del Kapital al Capital. Neue Slowenische Kunst. Un hito de la década final de Yugoslavia, el Museo Reina Sofía presenta la recreación histórica de la performance We Forge The Future de Laibach, banda de rock industrial nacida en 1980 y uno de los tres colectivos históricos que formaron parte del grupo artístico esloveno NSK (Neue Slowenische Kunst).
Para esta performance, presentada por primera vez el 23 de abril de 1983 como parte del programa de la XII Bienal de Música de Zagreb, el grupo preparó un espectáculo multimedia con diez monitores que reproducían el vídeo experimental de la banda Morte ais’ciavi (Muerte a los esclavos, 1983), mientras en segundo plano se proyectaba la película propagandística Revolucija još traje (La revolución continúa, 1971), de Milan Ljubić, que celebraba los éxitos de la Yugoslavia socialista.
En determinados momentos, coincidiendo con secuencias de archivo del discurso de Tito incluidas en el filme de Ljubić, se superponían y solapaban algunas escenas pornográficas de la película Documents of Oppression no. 2 (Documentos de opresión n.º 2, 1983), realizada por Laibach y Marijan Osole-Max. La combinación de estas imágenes provocó un gran escándalo. Las autoridades desalojaron la sala en la que tenía lugar la actividad y se organizó una campaña mediática contra el grupo, que fue vetado en Eslovenia hasta 1987.
Laibach, como otros grupos que formaron parte de NSK, ha desarrollado una práctica multidisciplinar, partiendo del concepto de Gesamtkunstwerk (obra de arte total), que abarca distintas referencias, medios y formatos: desde collages, fotografías, cartelería, pintura o vídeo, hasta instalaciones, conciertos y performance.
Viernes 1 diciembre de 2017 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Sala Protocolo
Aimar Pérez Galí. The Touching Community
Coincidiendo con el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, el Museo Reina Sofía presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda
la relación entre la danza y el sida/VIH.
A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inició una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante las décadas de los años ochenta y noventa del pasado siglo en el contexto español, estadounidense y latinoamericano. Fruto de esta investigación surge The Touching Community, un trabajo íntimo y afectivo que aborda este contraste entre la necesidad del contacto y el deseo de inmunidad para producir una acción que invite al espectador a ser “tocado” a un nivel sensible. La pieza ha sido nominada en la categoría de proyecto artístico a los Premios de la Asociación Catalana de Críticos de Arte (ACCA) 2016.
Aimar Pérez Galí (Barcelona, 1982) desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010. Forma parte del equipo docente del Departamento de Coreografía e Interpretación del Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014 y coordina colectivamente el grupo de lectura “¡Encarna!” en el MACBA desde 2017.
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Exposición en Chile recuerda el universo de su artista Roberto Matta



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Con una selección de 25 obras, la muestra “Matta Universo” recuerda en Chile al artista plástico Roberto Matta (1911-2002), considerado uno de los principales representantes del surrealismo del siglo...


Con una selección de 25 obras, la muestra “Matta Universo” recuerda en Chile al artista plástico Roberto Matta (1911-2002), considerado uno de los principales representantes del surrealismo del siglo XX, quien falleció hace 15 años, el 23 de noviembre del 2002.


 En exhibición en el Centro Cultural El Tranque, en Lo Barnechea, Chile, donde permanecerá hasta el 3 de diciembre, la selección, hecha bajo la curatoría de Inés Ortega-Márquez, da cuenta de las exploraciones del artista chileno entre 1942 a 1992, cuando transitó entre EUA, España, Francia e Italia, informa el sitio web del recinto. 

De acuerdo con una biografía que de él se difunde, el pintor, poeta, escultor y arquitecto Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren nació en la capital chilena el 11 de noviembre de 1911, cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile.

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 Cuando se mudó a París, luego de titularse, trabajó en el taller del arquitecto Le Corbusier (1887-1965), y conoció a artistas como Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967) y André Breton (1896-1966), informa el portal digital de la Galería Animal de Chile.

 Cuentan que fue Breton quien estimuló a Matta en su faceta de artista, valorando su trabajo e incluyéndolo en el círculo cercano del movimiento surrealista, colaborando en el periódico surrealista “Minotaure”, donde hizo amistad con Pablo Picasso (1881-1973) y Marcel Duchamp (1887-1968). 


En 1937 colaboró en la creación del Pabellón de la Republica española en la “Exposition Internationale”, de Paris, junto con Josep Lluis Sert (1902-1983) y Luis Lacasa (1899-1966), donde el “Guernica”, de Picasso, creó un fuerte impacto. 

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Al año siguiente fue invitado a participar en la “Exposition Internationale du Surréalisme”, además en esa época pasó del dibujo a la pintura en óleo, formato pictórico por el cual Matta consiguió el prestigio internacional. 

Posteriormente, se mudó a Estados Unidos, donde continuó en su producción pictórica, entre cuyas piezas destacan "Invasión Nocturna” (1941), la cual dio una indicación de la ruta que el pintor tomaría, siendo su sello característico el uso de patrones difusos de luz y gruesas líneas de un fondo particular. 

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Además de tener contacto con el arte de estadounidenses como Jackson Pollock (1912-1956), Arshile Gorky (1904-1948) o Mark Rothko (1903-1970), en un viaje a México conoció la obra de los grandes muralistas, informa el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de España, en su sitio web. Durante sus estadías en Europa y Estados Unidos realizó viajes a Chiles donde impartió conferencias y trabajó para universidades; en 1971 creó el mural “El primer gol del pueblo chileno”, como una forma de conmemorar el primer aniversario del gobierno de Salvador Allende.

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 En su portal digital, la Universidad de Chile recordó que en 1992 le fue otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, antes ya se le había distinguido con la Medalla de Oro de las Bellas Artes Españolas (1985), Premium Imperiale de Pintura, Asociación de Arte de Japón (1995), entre otros. Roberto Matta falleció el 23 de noviembre de 2002 en Civitavecchia, Italia, y fue enterrado en el municipio de Tarquinia con los altos honores del gobierno italiano, mientras que en su natal Chile se decretaron tres días de luto nacional.

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Giorgio de Chirico, entre la realidad y el sueño, llega a Caixaforum Madrid

Plazas desiertas con iluminaciones imposibles, maniquíes de la deshumanización, templos instalados en medio de una habitación o muebles en un valle solitario. La enigmática visión de la realidad de Giorgio de Chirico llega hoy al Caixaforum Madrid, donde podrá verse hasta el 18 de febrero.
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De Chirico ha pasado a la historia como el inventor de la pintura metafísica, que evoca el sueño, la memoria y el tiempo suspendido, y por la que es considerado precursor del surrealismo, pero también propugnó el retorno al clasicismo y acabó siendo repudiado por quienes lo auparon.
"Siempre fue a contracorriente, no se dejó encasillar", ha señalado hoy en rueda de prensa Isabel Salgado, directora de exposiciones de Caixaforum, que también ha incidido en que su influencia va más allá del arte, ya que la reflexión sobre el inconsciente ha ocupado buena parte del siglo XX.
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La exposición de Caixaforum, la mayor antología que se ha dedicado al artista en España, evidencia esas dos tensiones entre las que se mueve su obra, la naturalista y la metafísica, a través de 142 obras, la mayoría óleos, pero también dibujos, litografías y esculturas de toda su trayectoria, desde 1913 a 1976.
Sus meditaciones sobre la realidad y las lecturas de Nietzsche y Schopenhauer están en el origen de sus creaciones, que dan la clave de los tiempos convulsos y desasosegantes que le tocó vivir.
La muestra, organizada en colaboración con la Fundación Giorgio e Isa de Chirico y que ha pasado ya por Barcelona, se estructura en seis ámbitos. Comienza con una colección de retratos y autorretratos que evolucionan desde el clasicismo al intimismo, la ambigüedad y la ironía.

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Unas veces se retrata a sí mismo disfrazado, al estilo de los grandes pintores franceses e italianos del siglo XVIII, con traje de época y fondo paisajístico, y otras desnudo, con fondo neutro, y un estilo mucho más contemporáneo.
Las máscaras, los disfraces, los escenarios, toda la parafernalia teatral está también muy presente en su obra.
La segunda sección está dedicada a los interiores metafísicos, un tema que nació durante la Primera Guerra Mundial, cuando De Chirico estaba destinado en Ferrara, según ha explicado la comisaria Katherine Robinson.

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Se trata de composiciones que ponen de manifiesto la tensión entre interior y exterior, una especie de cajas ópticas que albergan objetos cotidianos, herramientas de dibujo y cuadros dentro del cuadro; al otro lado de la ventana asoman paisajes y arquitecturas lejanas.
Una de las secciones principales es la dedicada a la Plaza de Italia y los maniquíes. El tema de la plaza nació en Florencia en 1910 como resultado de una "revelación" que el pintor plasmó en el cuadro "El enigma de una tarde de otoño", su cuadro más famoso, que no está en la muestra.
Sí están "Plaza de Italia con fontana" o "Poesía de verano" como ejemplos de la iconografía más reconocible de De Chirico, o en el siguiente apartado, los "baños misteriosos", un tema que nació en dos litografías y que después llevó a la pintura.
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En los años 40 el artista, nacido en Grecia pero de padres italianos, se dedicó a recuperar los valores de la tradición pictórica renacentista y barroca, tal y como se recoge en la sección Historia y Naturaleza.
El recorrido se cierra con referencias al mundo clásico y gladiadores, cuadros que recogen la ambigüedad entre realidad y ficción que es marca de la casa.

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