Páginas

Google+ Followers

Seguidores

Translate

visitas contador

lunes, 23 de abril de 2018

Memorias de lo humano

                Resultado de imagen de Leandro Soto Ortiz






Para Leandro Soto, el arte es una búsqueda constante. (Foto: acn.cu).
Por RAÚL MEDINA ORAMA
Alguien que viaja, aprehende, luego enseña, y de nuevo al viaje. Esa pudiera ser una definición rápida de Leandro Soto Ortiz (Cienfuegos, 1956), quien se desplaza entre países, manifestaciones de la creación -pintura, performance, grabado, diseño escénico…-, y hacia dentro de sí mismo. Regresó al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), en La Habana, y trajo sus Crónicas visuales, amplia muestra sobre su obra más reciente, devenida del peregrinaje cultural y vivencial por diversas regiones, expuesta hasta mediados de mayo.
El edificio de Arte Cubano no es un territorio extraño para Soto, pues el MNBA atesora casi una treintena de sus creaciones, algunas -como Kiko constructor y La familia revolucionaria (1984)- de gran aprecio entre públicos y crítica. También se guardan piezas suyas en el Center for Cuban Studies (Nueva York, Estados Unidos), y el Museo de Arte Contemporáneo de Michoacán (México), entre otras instituciones.
El artífice fue uno de los integrantes de Volumen Uno, el grupo que hacia la década de los 80 conmocionara la escena del arte contemporáneo en la Isla. Allí compartió espacio con Flavio Garciandía, Tomás Sánchez, José Manuel Fors, José Bedia, Gustavo Pérez, Ricardo Rodríguez, Israel León, Juan Francisco Elso, Rubén Torres y Rogelio López Marín (Gory).
Soto también dejó su impronta en aquella década como iniciador del performance en nuestro país, sin dudas influido por sus incursiones en el ámbito teatral. Desde entonces ha crecido su carrera de casi cuarenta años, cual corredor de fondo por las avenidas del arte, que lo han llevado a museos y galerías de España, Canadá, Brasil, Barbados, México, República Checa, Argentina, Alemania, Perú, Japón, Nicaragua, Jamaica, Italia, India y los Estados Unidos, entre otros. Lo expuesto en la institución de la capital data de los años 90 hasta la actualidad.
Según explicó a la prensa en vísperas de la inauguración, para la muestra seleccionó obras realizadas a partir de sus experiencias etnográficas sobre diferentes culturas. Comentó que no propone creaciones puramente decorativas, pues exige del espectador una actitud y una participación, entregarse y dialogar con el hecho artístico, interactuar.
Con una fuerte influencia de la antropología, sus trabajos integran estudios de varias disciplinas. El resultado de sus investigaciones sobre la estética, materiales, técnicas y temas locales, puede verse en el MNBA, donde exhibe una treintena de tapices o gobelinos. Es la primera ocasión en la cual el autor despliega en un mismo espacio obras nacidas en varios países. Le gusta pensar en la muestra como una gran instalación, una enorme crónica de viaje.
Corina Matamoros, curadora de la muestra, explica el método del artista: “ha explorado comportamientos sociales, cultos religiosos, técnicas artísticas, experiencias pedagógicas  y creaciones artísticas pluridisciplinares en regiones como Tabasco, Nueva Delhi, Búfalo, Arizona, Machu Picchu, Yucatán, Los Andes ecuatorianos, Himalaya, Barbados, Trinidad y Tobago. Soto se encamina a las fuentes originarias, a las regiones donde tradiciones vivas se engarzan sólidamente con un ineludible presente (…)”.
Estudia prácticas e imaginarios locales para producir un gran tapiz sobre la humanidad. (Foto: apocrifa.com.mx).
En algunas obras el apoyo para la pintura es el tradicional sari, ese lienzo de seda utilizado en la India para vestir. En otras, el humilde saco de yute, tan usado en el Caribe debido a nuestra historia ligada a la industria del azúcar. Son creaciones policromas, que escapan de la alusión a un contexto social y político inmediato, pero situadas en las fuentes de muchos de los conflictos de hoy.
“Soto nos recuerda, con la intensidad y riqueza de sus crónicas viajeras, que quizá nos hayamos adormecido un poco con menguadas perspectivas sobre las cosas, olvidando que el hombre es también muchos hombres y el arte nace siempre local”, afirma Matamoros.
El periplo de Leandro Soto es, en definitiva, una búsqueda que lo trae de retorno a sí mismo, para comprender sus orígenes, y los nuestros, anclados como estamos en ese espacio geográfico-cultural, en esta comunión de identidades mestizas que llamamos Caribe.

Fuente
http://bohemia.cu

El nuevo referente cultural The Founder's Memorial abre en Abu Dhabi

  • Resultado de imagen de ABU DHABI, EAU,

  • ABU DHABI, EAU, April 23, 2018 /PRNewswire/ -- The Founder's Memorial, una nueva atracción cultural que conmemora el presidente fundador de los EAU, el fallecido Jeque Zayed bin Sultan Al Nahyan, ha abierto en la capital de los EAU, Abu Dhabi.
ABU DHABI, EAU, April 23, 2018 /PRNewswire/ --
The Founder's Memorial, una nueva atracción cultural que conmemora el presidente fundador de los EAU, el fallecido Jeque Zayed bin Sultan Al Nahyan, ha abierto en la capital de los EAU, Abu Dhabi.
A través de una exploración artística de la vida, legado y valores del Jeque Zayed, el memorial ofrece una oportunidad única para sumergirse en la historia y cultura de los EAU, mediante experiencias diseñadas para revelar aspectos de la amplia herencia social, cultural y medioambiental, incluyendo arte, historias y exposiciones.  
Un líder global y cambiador del juego, el Jeque Zayed fue un reconocido humanista y conservador que defendió el respeto, educación y empoderamiento de la mujer. Entre sus logros nacionales e internacionales, lideró la unificación de los siete emiratos independientes para fundar Emiratos Árabes Unidos en 1971 y fue premiado con el  1997 Golden Panda Award del World Wildlife Fund.
Resultado de imagen de The Founder's Memorial,
La pieza principal del espacio es The Constellation, una monumental obra de arte diseñada por el artista público Ralph Helmick. Con 1.327 formas geométricas suspendidas en más de 1.000 cables, la instalación es un retrato tridimensional dinámico del Jeque Zayed que puede experimentarse de manera diferente desde varios puntos de vista. Por la noche, las formas brillan como estrellas, evocando la atemporalidad de la visión del Jeque Zayed como luz guía. Alojada en un pabellón de 30 metros de altura, The Constellation es una de las mayores instalaciones de arte de su tipo, y única en su uso de pinturas abstractas en esta escala.  
The Founder's Memorial abarca 3,3 hectáreas de espacio público de bonito paisaje con plantas indígenas de los EAU y la Península Árabe. El memorial incluye un Sanctuary Garden que incluye áreas de asientos y un tradicional canal de agua 'falaj', un Heritage Garden donde los visitantes aprenden sobre plantas medicinales del desierto y una pasarela elevada que capta las vistas de The Constellation, el Golfo Árabe y el horizonte de la ciudad.  
Resultado de imagen de The Founder's Memorial,

La experiencia multimedia del Welcome Centre permite a los visitantes explorar la herencia emiratí implicándose con el legado del Jeque Zayed mediante secuencias raras, historias personales de las personas que le conocieron y la voz del mismo líder ya fallecido.
Los guías turísticos culturales emiratís realizan tours complementarios que guían a los visitantes por el paisaje.  
S. E. el doctor Yousef Al Obaidli, director general de The Founder's Memorial, dijo: "Gracias a la apertura de The Founder's Memorial, los turistas tienen una maravillosa oportunidad de aprender sobre los EAU en el contexto del líder visionario que fundó la nación. Aquí, las personas pueden explorar los valores universales del Jeque Zayed y la tremenda contribución al mundo como campeón del desarrollo humano, el medio ambiente y el bienestar de las personas".
Resultado de imagen de The Founder's Memorial,
Ralph Helmick dijo: "El Jeque Zayed bin Sultan Al Nahyan es una figura global única cuyo espíritu es palpable en los EAU y más allá. Por tanto, fue vital que su legado inspirase el diseño de The Constellation. Incluso al supervisar la modernización sin precedentes, el Jeque Zayed permaneció anclado en el mundo físico. The Constellation, por tanto, no es una representación figurativa tradicional, sino que abarca una recreación activa de su similitud, explorando los límites de la percepción mediante momentos oscilantes de abstracción y representación. Dicho simplemente, la obra busca fusionar lo terrestre con lo celestial".
The Founder's Memorial es gratis y está abierto al público diariamente.  
CONTACTO: TRACCS, +971-4-367-2530, binan.souleiman@traccs.net
Fuente

viernes, 20 de abril de 2018

Una exposición recorre la Alhambra "más íntima" a través del objetivo del fotógrafo Fernando Maquieira

  • Resultado de imagen de Una exposición recorre la Alhambra "más íntima" a través del objetivo del fotógrafo Fernando Maquieira
  • Una exposición recorre "la Alhambra más íntima" a través del objetivo del fotógrafo Fernando Maquieira

  • La Alhambra de Granada vista desde su perspectiva "más íntima y silenciosa" ha sido retratada por el fotógrafo Fernando Maquieira (Puertollano, 1966) en su 'Guía nocturna de museos', que engloba imágenes que se podrán contemplar hasta el 10 de junio en la Cripta del Palacio de Carlos V.
GRANADA, 19 (EUROPA PRESS)
La Alhambra de Granada vista desde su perspectiva "más íntima y silenciosa" ha sido retratada por el fotógrafo Fernando Maquieira (Puertollano, 1966) en su 'Guía nocturna de museos', que engloba imágenes que se podrán contemplar hasta el 10 de junio en la Cripta del Palacio de Carlos V.

Imagen relacionada
Se exhiben cerca de 50 piezas-fotografías realizadas en museos de todo el mundo cuando se encuentran cerrados al público, y en la que también se incluye una obra, 'Ciudad nocturna', que recoge algunos de los instantes captados por el artista entre enero y febrero de 2018 durante sus recorridos por la fortaleza nazarí a la luz de la luna, ha informado el Patronato de la Alhambra y el Generalife en una nota de prensa.
Resultado de imagen de la Alhambra
El director del Patronato de la Alhambra y Generalife, Reynaldo Fernández, ha presentado este proyecto expositivo junto al fotógrafo Fernando Maquieira, el comisario de la muestra Paco Gómez y Juanan Requena, como artista invitado que ha realizado un 'site-specific' en una de las salas de la Cripta con esculturas de la Escuela de Artes y Oficios de Granada.
                   Imagen relacionada

Durante los últimos siete años, Fernando Maquieira ha investigado "obsesivamente" en más de 50 museos de todo el mundo "qué ocurre con las obras de arte cuando están en la intimidad".
Ha articulado así "una nueva interpretación de las obras de arte en los museos a partir de otra luz o de la ausencia de ella", explorando en "las sensaciones" que "provoca el arte", ha explicado Maquieira.

Imagen relacionada
Por su parte, el responsable del conjunto monumental ha reconocido que la exposición invita al visitante a "compartir esos instantes mágicos que cada noche se suceden en museos y ahora en la fortaleza nazarí".
"Se trata de una nueva y desconocida mirada de la Alhambra a través de la fotografía", ha señalado Reynaldo Fernández Manzano sobre esta muestra, que ha estado organizada por el Patronato de la Alhambra y Generalife, en colaboración con Promoción del Arte del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y la Escuela de Arte y Oficios de Granada.
Cuenta también con un catálogo espacial en el que se muestran imágenes de algunos de los espacios más "espectaculares" de la fortaleza nazarí, así como de los jardines, palacios, el Generalife, las murallas y los Museos de Bellas Artes y Museo de la Alhambra.

Resultado de imagen de Una exposición recorre la Alhambra "más íntima" a través del objetivo del fotógrafo Fernando Maquieira
Para Fernando Maquieira ha sido un "sueño" haber paseado por las estancias palatinas cuando el monumento cerraba sus puertas: "hacía tiempo que me preguntaba qué sensaciones podía experimentar al recorrer la Alhambra en mitad de la noche, mientras se realiza la fantasía de deambular por un espacio cerrado, rodeado de obras de arte cuando nadie las mira".

Resultado de imagen de Una exposición recorre la Alhambra "más íntima" a través del objetivo del fotógrafo Fernando Maquieira
'Guía nocturna de museos' ha retratado más de una decena de espacios museísticos, entre los que se encuentran el Arqueológico Nacional, el Cerralbo, el Centro de Arte Reina Sofía, el Prado, el Sorolla, el de Arte Romano de Mérida, el de Bellas Artes de Granada, el de la Alhambra.

Resultado de imagen de la Alhambra
También el Nacional de Escultura de Valladolid, el Metropolitan Museum of Art, el Morgan Library& Museum, el Centre Pompidou-Metz, el Museo Rodin, el Petit Palais, la Galleria Borghese y la Real Academia de España en Roma.
Fuente
http://www.lavanguardia.com



La feria Perú Arte Contemporáneo abrió sus puertas en el MAC de Barranco

PArC

"Cuando llegue la primavera", óleo sobre tela de Alejandro Pasquale. Una de las obras en exposición en la feria PArC. | Fuente: MAC


Cincuenta galerías de Perú, Madrid, Francia, Estados Unidos, Cuba, entre otros países, participan en la edición 2018 de PArC. Las actividades van hasta el fin de semana en el Museo de Arte Contemporáneo.


Arte, fotografía, conferencias, proyecciones en video e instalaciones forman el marco de la sexta edición de la feria Perú Arte Contemporáneo (PArC). Artistas, coleccionistas, curadores y directores de prestigiosos Museos e Instituciones dan la bienvenida al público desde este jueves 19 hasta el domingo 22 de abril en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC).

Son 6 secciones que invitan a realizar un recorrido para entender la revolución artística a través de manifestaciones de países como Madrid, Francia, EEUU, Cuba, México, Argentina, Brasil, Bolivia, Uruguay, Colombia, Ecuador, Chile, Venezuela y Perú.


SECCIONES DE PARC 2018


NEXT

Una de las novedades de esta edición de PArC. Curada por Florencia Portocarrero, reúne 6 proyectos que desde diferentes capitales Latinoamericanas y centros del arte contemporáneo como Nueva York, apuestan por el trabajo de los artistas emergentes más prometedores de la región. NEXT busca dar visibilidad y poner a dialogar estas plataformas expositivas, sus artistas y también sus contextos. Una oportunidad imperdible para tomarle el pulso a la escena artística latinoamericana y descubrir los nuevos talentos de la región.

PATIO DE ESCULTURAS

Curado por Max Hernández Calvo, esta es una nueva sección de la feria para la escultura al aire libre. Presenta 5 artistas (cuatro de Perú y una de EE.UU.) que abordan las relaciones entre espacio exterior e interior, mediadas por la arquitectura, la construcción, la pantalla y el transporte.

SOLO PROJECTS

Curada por Manuela Moscoso. El Futuro es el Presente reúne el trabajo de cuatro artistas latinoamericanos, el título de esta edición, más que un marco temático, funciona como un llamado de atención hacia estas prácticas, así como también alude al hecho de que todos estos artistas tienen un profundo compromiso con el mundo actual planteando reflexiones críticas desde sus prácticas particulares.



"Las marcas del dinero", una de las instalaciones que se pueden apreciar en PArC Lima. | Fuente:MAC


PROYECTO TIJUANA

Curada por Ana Luiza Pinheiro Fonseca. La Feria Tijuana de Arte Impreso llega a su edición 18 y por el tercer año consecutivo en colaboración con PArC. Centrada en libros de artistas de todo el mundo, con especial foco en la producción de Latinoamérica, Tijuana investiga y conecta editoriales, artistas y productores. Para esta edición, Tijuana reúne trece participantes que se dedican a la producción de libros de artistas.

EL CAMERÍN

Se trata de un espacio que no busca imponerse frente al público sino dialogar con él, vivir la feria juntos. Es una instalación interactiva que opera como time-out, behind-the-scenes oasis entre el escenario social y el escenario académico que se vive en PArC. El espacio para mostrarte como persona.

AUDITORIO

Programado por Miguel López, servirá como plataforma internacional para el encuentro y el debate de las cambiantes dinámicas de producción artística, historia e investigación de arte, publicaciones y coleccionismo en Latinoamérica en los últimos años. En la edición de este año se enfatizan miradas sobre las relaciones entre el Caribe y América Latina, la función públicas de las instituciones y los programas artísticos de los museos, el trabajo de artistas feministas, así como una serie de proyectos curatoriales y de investigación que revelan las redes de afinidad y afecto construidas en torno al arte durante el último medio siglo.

MÁS INFORMACIÓN

PArC Lima se realiza desde el jueves 19 al domingo 22 de abril en el MAC, en Av. Grau 1511 Barranco. De 2 p.m. a 9 p.m. y el domingo de 2 p.m. a 9 p.m. Las entradas se adquieren en la boletería de la feria y su precio es de 30 soles. Estudiantes y jubilados: 15 soles.
Fuente


jueves, 19 de abril de 2018

El Guggenheim Bilbao mostrará el arte en la China del auge económico

RMB City: Una planificación urbana en Second Life de China Tracy (también conocida como Cao Fei)
RMB City: Una planificación urbana en Second Life de China Tracy (también conocida como Cao Fei)
La muestra "Arte y China después de 1989: El teatro del mundo" exhibirá un total de 120 obras de 60 artistas y colectivos artísticos chinos: Ai Weiwei, Chen Shaoxiong, Yu Hong...
El Museo Guggenheim Bilbao acogerá el próximo mes de mayo la mayor exposición dedicada en Europa al arte realizado en la China del auge económico de finales del los años 80 hasta las Olimpiadas de Pekin (2008), que la ha convertido en la potencia mundial que es actualmente.
La muestra, bautizada "Arte y China después de 1989: El teatro del mundo", mostrará la práctica artística llevada a cabo en el gigante asiático en el periodo en el que experimentó su mayor transformación económica y social reciente: desde 1989, año de las protestas ciudadanas en la plaza de Tiananmén, hasta 2008, año de la celebración de los Juegos Olímpicos de Pekín.
La muestra incluye diversas prácticas artísticas como performance, pintura, fotografía, instalación y videoarte, e invita al visitante a reflexionar.
A lo largo de seis secciones, ubicadas en la segunda planta del museo, el espectador puede realizar un recorrido por las distintas prácticas de experimentación artística desarrolladas por los creadores chinos en un momento histórico del país asiático marcado por la globalización y el escepticismo ante el capitalismo y la prosperidad que este prometía.
La exposición, que se abrirá al público el 11 de mayo y permanecerá abierta hasta el 23 de septiembre, analiza el papel de los artistas chinos de dos generaciones diferentes, como observadores críticos de la explosión económica del país, y también como agentes en la eclosión de China como nueva potencia mundial.
La muestra exhibirá un total de 120 obras de 60 artistas y colectivos artísticos chinos contemporáneos entre los que figuran Ai Weiwei, Chen Shaoxiong, Yu Hong, Song Dong, Cao Fei, Wang Xingwei, Cai Guo-Qiang y Chen Zhen, entre otros destacados creadores contemporáneos que han realizado su obra tanto dentro como fuera de China.
Fuente

Banksy: Dos guardias civiles besándose en Ferrol podrían ser su primera obra en España






Bansky podría haber acudido a la llamada para dejar su huella en el barrio de Canido en Ferrol pintando la que sería su primera obra en España.


JOSÉ CONFUSO

La conmoción recorre el país. España podría tener ya su primer Banksy graffiteado sobre sus muros y la emoción no es poca. Ha ocurrido en Ferrol, en el barrio de Canido, aunque todavía no se ha podido determinar la autenticidad de la obra -una marca de cerveza se 'esconde' detrás de la gesta-. Un pequeño paso para el artista sin rostro, un enorme salto para el mundo del arte...




Kissing Coppers: Dos policías besándose en uno de los lados del pub Prince Albert, en Trafalgar Street, cerca del centro de la ciudad de Brighton. La obra fue vendida en 2011 por más de medio millón de dólares -unos 400.000 euros-. Inspira la realizada estos días en Ferrol.

Como detalle promocional, desde luego, no tiene precio. La ciudad de Ferrol ha amanecido con dos nuevos vecinos entre sus calles. Se trata de una pareja de guardias civiles besándose en uno de los muros del barrio de Canido. La obra apunta hacia un nombre propio: Banksy. El artista británico podría haber estampado su primera creación en España y el revuelo ha emocionado incluso a aquellos que no tienen muy claro quién se esconde detrás de esa misteriosa identidad. Por el momento, tampoco la autoría no está verificada. Toca esperar antes de cantar victoria.

La localización de esta obra no ha sido casual. La marca de cervezas 1906 había lanzado un llamamiento el pasado verano buscando atraer la atención del artista del graffiti. Con motivo del festival que cada año se celebra en el barrio de Canido, ofrecieron un espacio a Banksy para que elaborase su propia versión de las Meninas de Velázquez. Para ello, llenaron las calles de réplicas de sus obras con el objetivo de alcanzar repercusión internacional. La llamada quedó desatendida hasta que, de repente, ha ocurrido. Banksy se ha paseado por las calles de Canido. Al menos, eso es lo que parece.

Múltiples teorías


A lo largo de las décadas, muy pocos han tenido la oportunidad de desenmascarar a este revolucionario del street art. Periodistas que han llegado a entrevistarse con Banksy cara a cara, con la condición de guardar con recelo su identidad real. Claro que, como en otras ocasiones -Warhol era propenso a ello-, nada garantiza que el joven que acudía a las citas fuera el verdadero Banksy. Desde artistas famosos, como el líder de Massive Attack, hasta aspirantes a estrellas, pasando por grupos organizados de graffiteros, muchas son las teorías que se han ido elaborando sobre uno de los pintores más cotizados de los últimos tiempos.

Amado y odiado a partes iguales, ha conseguido que ciudades enteras crucen los dedos para amanecer con una de sus reconocibles pintadas. Un negocio que podría situar a Ferrol, de confirmarse la noticia, en el mapa del arte mundial. Todo dependerá de que el entorno del artista confirme la autoría. Banksy, Galicia te espera.
Las mejores obras de Bansky



Nueva York, Soho, "Let them eat crack".

Street Rat. En 2008, una enorme rata apareció pintada en un edificio del Soho de Nueva York. "Let them eat crack", una reinvención de la famosa frase de María Antonieta había sido la inspiración para crear este gigantesco graffiti. Una crítica hacia el control de los poderes de Wall Street sobre las clases media y baja.



Reino Unido, Clacton-on-Sea, Essex, "Pigeons".

Pigeons. Demasiado controvertida para dejarla intacta. El ayuntamiento de la localidad de Clacton-on-Sea, Essex, Reino Unido, decidió que las palomas graffiteadas por Banksy debían ser destruidas por transmitir un mensaje racista -muestra un grupo de palomas con pancartas con mensajes anti-inmigración-. Justo lo que el artista pretendía denunciar con esta obra.




Chalk Farm, Londres, "Sweep It Under The Carpet".

Sweep It Under The Carpet. La primera de esta serie de graffitis pareció en Chalk Farm, en Londres. "Este es un retrato de Leanne, la mujer que limpiaba mi habitación en un motel de Los Ángeles", escribió Banksy acerca de la obra. A partir de entonces, han aparecido en muchos otros lugares del mundo.



Reino Unido, "CCTV".

CCTV. La vigilancia de las cámaras de seguridad es algo que los artistas británicos llevan décadas denunciando. Banksy ha sido uno de los que más se ha centrado en ello. Este mural, ahora borrado, apareció en Londres en 2008. Un reto, pues lo pintó justo al lado de una de estas cámaras de la CCTV. Pese a la magnitud de la obra, consiguió que no le grabase en ningún momento.



Chinatown, Boston, "Follow your dreams".

Follow your dreams. Esta obra apareció en la zona del Chinatown en la ciudad de Boston. Un hastiado pintor que observa la cancelación, a través de un sello oficial, de la máxima 'sigue tus sueños'. Se trata de una de los graffitis más icónicos y repetidos del artista. La desesperación ante el capitalismo siempre ha sido uno de sus grandes temas.



Londres, Girl with red balloon.

Girl with red balloon. Banksy ha utilizado diversas variantes de este graffiti de una niña soltando un globo rojo a lo largo de los años. El primero apareció en Londres, en 2002, y fue vendido cinco años después por casi 40.000 libras. En 2015, volvió al mercado por un precio que rondaba el medio millón de libras. Un ejemplo claro de la creciente popularidad del artista.



Muro de Israel.

Israel. Uno de los trabajos más simbólicos y con mayor repercusión de Banksy. El artista, en el verano de 2005, se trasladó hasta el muro que separa Israel de Palestina y realizó una serie de graffitis desde los que se podía ver el otro lado del controvertido muro. Pese a la intensa presencia policial en la zona, consiguió terminarlos sin problema.



Jerusalén, "Flower Thrower".

Flower Thrower. La denuncia hecha arte. Un joven con la cara tapada, en lo que parece el fragor de la batalla, lanza un ramo de flores convertido en una especie de coctel Molotov. Como ocurre con todas sus obras, la denuncia del capitalismo termina convertida en una enorme suma de dinero y merchandising. En fin, capitalismo puro y duro.

Fuente

http://www.expansion.com

Susana Lloret con su Bombas Gens abre una serie de entrevistas a coleccionistas

Susana Lloret, directora general de la Fundació Per Amor a l’Art | Susana Lloret con su Bombas Gens abre una serie de entrevistas a coleccionistas
Susana Lloret, directora general de la Fundació Per Amor a l’Art

"La colección y las exposiciones temporales están en la base de todas nuestras actividades escolares, talleres y programas de actividades públicas". Susana Lloret
Se trata de uno de los proyectos de colección privada institucional que mejor refleja que la "filantropía es el paso siguiente a coleccionar".

El gran novelista francés Honoré de Balzac consideraba a los coleccionistas como "los seres más apasionados que hay en el mundo". Y no le faltaba razón, pero, a esa definición del S. XIX habria que añadir, que en el momento actual, en pleno S.XXI, también se hayan entre los más generosos, al compartir públicamente los trabajos de los artistas y, más importante aún, sentir la necesidad de apoyar sus creaciones como una parte crucial del futuro de la sociedad.
Porque, la "filantropía es el paso siguiente a coleccionar", según reconocen en alto grado los más de 30 coleccionistas entrevistados para el nuevo informe 100 Activos Coleccionistas de Arte en España que, desde hace meses, está preparando ARTEINFORMADO siguiendo la estela del primer informe 100 Activos Coleccionistas de Arte Latinoamericano.
Como paso previo a la publicación del nuevo informe, desde hoy y a lo largo de las próximas semanas, publicaremos algunas de esas entrevistas.
Y, sin más dilación, la primera de ellas tiene como protagonistas a Susana Lloret y su marido, el empresario José Luis Soler, quienes han puesto en marcha, en la ciudad de Valencia, la Fundació Per Amor a l’Art - Centre d’Art Bombas Gens, cuya presidencia y dirección general recaen en Soler y Lloret, respectivamente.
Tras casi dos años de rehabilitación, Bombas Gens abrió sus puertas en julio de 2017, proponiendo, bajo la dirección artística de Nuria Enguita Mayo, "un nuevo espacio para las artes visuales y trabajar para convertirse en una institución de referencia en el contexto artístico local y global así como en un lugar abierto y accesible a una gran cantidad de públicos".
En esta primera fase, la Fundació ha inaugurado su nueva ubicación poniendo en funcionamiento el centro de arte, que ocupa las cinco naves rehabilitadas que antaño ocuparon la fábrica impulsada en los años 30 por Carlos Gens Minguet, en la actual avenida de Burjassot, a las afueras de la ciudad.
La colección Per Amor a l’Art, bajo el asesoramiento de Vicente Todolí, es el origen de la mayor parte de actividades del centro. Como nos comenta Susana Lloret, se compone de "un grupo de obras importantes de artistas de los ochenta y noventa europeos y americanos... También una parte importantísima de la colección es la fotografía, una historia de la fotografía del siglo XX con nombres clásicos... y otra generación más joven... y el fondo de fotografía japonesa de artistas que comienzan a  trabajar en torno a la década de los 60".
Con la vista siempre puesta en la acción social, Lloret no duda en afirmar que "el arte es uno de nuestros compromisos, pero estamos finalizando el 'Centre Jove', un centro para adolescentes en riesgo de exclusión social que se abrirá en abril, y continuamos con nuestras actividades en torno a la enfermedad de Wilson, una enfermedad rara sobre la que promovemos investigación y divulgación para que se diagnostique de forma precoz, cuando aún es posible evitar sus secuelas".
A continuación, las respuestas completas de Susana Lloret, cuya colección ha sido galardonada con uno de los Premios ''A'' al Coleccionismo 2018, otorgados por la Fundación ARCO.
ARTEINFORMADO (AI): ¿Por qué empezaron la colección de arte? ¿Desde la primera adquisición cómo han evolucionado sus gustos?
Susana Lloret (SLL): Una colección empieza porque te gusta lo que coleccionas, aunque no lo haces fruto de una decisión meditada: “voy a empezar a coleccionar”. Lo que sí fue meditado fue la búsqueda de asesoramiento para continuar una vez que nos dimos cuenta de que lo que estábamos haciendo era comprar, pero que lo que queríamos hacer era coleccionar, construir algo más allá de un conjunto de obras, crear un discurso alrededor de cada artista que incluyéramos, dar un sentido de coherencia y asegurar la calidad de las obras que íbamos adquiriendo.
La evolución ha sido hacia la abstracción y la fotografía. De la fotografía sí se puede todavía tener accesibles series completas de una determinada línea de trabajo. Y acceder a obras o artistas que han aportado o van a aportar algo de alguna manera con el lenguaje que usan. En pintura es más difícil.
AI: ¿Han contado o cuentan con asesoramiento? ¿Cuáles son sus ferias, galerías?
SLL: Trabajamos con Vicente Todolí desde hace 8 años. Desde hace dos, la dirección del centro de arte Bombas Gens también plantea otras compras que ayuden a completar núcleos de la colección.
Nos gusta visitar galerías y artistas en todos nuestros viajes y tenemos relaciones con galerías en muchas ciudades. Viajamos todos los años a Paris Photo, Arco, Basel y Frieze. Esas cuatro ferias son fijas. Después nos gusta conocer otras; hemos estado en Art Basel Miami, en PhotoEspaña…
AI: ¿Cuáles señalarían como las piezas más potentes de su colección? ¿Y los artistas fundamentales? ¿Podrían señalarnos el/los planteamientos generales que componen la colección? ¿Existe una unidad temática, o se mantienen diversas líneas?
SLL: No podría decir cuales son los artistas más potentes, hay muchos y con planteamientos muy diversos… No hay temas en la colección, hay ejes y líneas de fuerza que van definiéndola. Nos interesa el trabajo desde  la abstracción en pintura, escultura, fotografía o cine. Tenemos un grupo de obras importantes de artistas de los ochenta y noventa europeos y americanos: Juan Uslé, Bernard Frieze, Juan MuñozDavid ReedJoan CardellsHerbert BrandlPedro Cabrita ReisCristina IglesiasTeresa LancetaAngela de la Cruz o Susana Solano. Tenemos un grupo importante de obras de Anna Eva Bergman, de quien haremos una exposición el año próximo.
Una parte importantísima  de la colección es la fotografía, una historia de la fotografía del siglo XX con nombres clásicos como Edward WestonHelen LevittGarry WinograndDavid Goldblatt o Manolo Laguillo y otra generación más joven como Bleda y RosaXavi Ribas o Yto Barrada. Intentamos coleccionar grupos extensos de obra, lo que es más difícil  en pintura o escultura pero aun posible en fotografía. La nuestra es, como nos gusta decir, una colección de colecciones.
En fotografía es fundamental el fondo de fotografía japonesa de artistas que comienzan a  trabajar en torno a la década de los 60: TakanashiMoriyamaAraki o Hosoe son autores de los que contamos con una amplia representación.
Y nos interesa trabajar con las generaciones más jóvenes, contribuyendo al desarrollo del trabajo de artistas noveles: sería el caso de Inma FemeníaNicolás Ortigosa o Maria Jesús González y Patricia Gómez.
Hay más, pero sería muy extenso nombrarlo todo. En cualquier caso, es una colección en formación, que iremos haciendo pública poco a poco.
AI: ¿Siguen realizando compras actualmente? ¿Qué nombres les interesan ahora?
SLL: Si, seguimos. En Paris Photo completamos nuestros fondos de Takanashi, un artista singular y fundamental  para la colección, y adquirimos una magnífica serie de Susan Meiselas. Siempre intentamos completar la representación de un artista e incorporar otros. Una colección es también una conversación, un diálogo, y nosotros intentamos potenciar esos diálogos.
AI: Como coleccionistas, ¿mantienen algún otro tipo de relación con otras entidades, públicas o privadas, para potenciar el coleccionismo y la creatividad artística?
SLL: Nuestro centro lleva abierto ocho meses y estamos ahora en proceso de conocer las actividades de otros centros. También estamos aún terminando nuestro proyecto.
El arte es uno de nuestros compromisos, pero estamos finalizando el “Centre Jove”, un centro para adolescentes en riesgo de exclusión social que se abrirá en abril, y continuamos con nuestras actividades en torno a la enfermedad de Wilson, una enfermedad rara sobre la que promovemos investigación y divulgación para que se diagnostique de forma precoz, cuando aún es posible evitar sus secuelas.
Por otro lado tenemos buenas relaciones con otros coleccionistas como Vicente Quilis y otras fundaciones, como la Fundación Botín. Y estamos conociendo otras más. Estamos en permanente contacto con las instituciones culturales públicas, asistiendo a debates y buscando fórmulas que fomenten el mecenazgo cultural.
Y algo que tiene gran importancia para nosotros como motor de la creatividad artística es el contacto con el propio artista, al que damos la oportunidad de que hable al público interesado sobre su proceso creativo en charlas, talleres y seminarios que organiza la fundación en Bombas Gens. Este contacto directo con el artista es algo que nos encanta fomentar. También es mecenazgo el posibilitar al público el acceso al artista, a su visión de la obra y a su proceso de creación.
AI: ¿Qué papel asignan a Centro Bombas Gens en el desarrollo de su colección de arte?
SLL: Bombas Gens es el centro de arte impulsado por la Fundació Per Amor a l’Art para compartir la Colección Per Amor a l’Art y para dar cabida a otras exposiciones temporales relacionadas con la colección (siempre son de algún artista que ya está en la colección o va a estar en ella). La colección y las exposiciones temporales están en la base de todas nuestras actividades escolares, talleres y programas de actividades públicas. La colección es el motor de una serie de actividades que tiene como objetivo llegar al máximo público y hacer del arte un instrumento de conocimiento y de disfrute personal y colectivo. No creo que el espacio condicione la colección.
Lo que sí creo es que ha condicionado que nos visite un público más amplio que el que normalmente iría a un museo. Porque el edificio es una joya del patrimonio arquitectónico industrial de los años 30 como no hay otra en Valencia. Y esto desde luego nos ha dotado de un atractivo muy especial, porque además contamos la historia del edificio, de la bodega del siglo XV y del refugio de la guerra civil que encontramos allí.
Son las propias exposiciones de la colección las que en cierto modo van definiendo o ahondando en líneas de interés para las próximas adquisiciones. La primera exposición, "¿Ornamento=delito?", planteaba la relación entre lo ornamental y la abstracción, un discurso muy presente en nuestra colección y que nos interesa especialmente. Ahora estamos preparando una bajo el título “El Pulso del cuerpo. Usos y representaciones del espacio”, con una mayoría de obra fotográfica. La investigación para las exposiciones y los diálogos que se establecen aportan nuevas claves para las compras.
Fuente

Swab Barcelona: Hablamos con Danny Baez

Resultado de imagen de Swab Barcelona: Hablamos con Danny Baez

Danny Baez es comisario cultural originario de Quisqueya (República Dominicana). Vive y trabaja en el área metropolitana de Nueva York. Estudió publicidad en UNAPEC y Estampación en el Centro de Estudios de Grabado LeRoy Neiman (Universidad de Columbia). Baez se ha dedicado al negocio del Arte durante los últimos 10 años bajo la tutela del renombrado artista tailandés contemporáneo Rirkrit Tiravanija, para el cual trabaja como asistente de su estudio y en Nueva York a través de London Art Dealer Gavin Brown, en la cual trabaja como asistente de asuntos externos.
En los últimos cuatro años, Danny Baez ha representado a Gavin Brown's Enterprise en múltiples ferias de arte en Sudamérica y Norteamérica como asociado de ventas con énfasis en el mercado latinoamericano, lo que le permitió crear una red extendida dentro del exigente y competitivo mundo del arte, conectando diferentes artistas con coleccionistas, galerías y proyectos.
Danny Baez es también cofundador y director de MECA International Art Fair en San Juan, Puerto Rico; Cofundador y miembro de la Junta de ARTNOIR Collective en la ciudad de Nueva York y presidente ejecutivo de la Junta de Jóvenes Coleccionistas en El Museo del Barrio.
¿Qué tendencias actuales encuentras más interesantes?
Las tendencias son sinónimas de moda, y por tanto de caducidad. Es por ello que no me interesan.
He advertido un creciente interés por el video arte y la performance en los últimos tres años, e incluso he notado una presencia notoria de piezas influenciadas por videojuegos, lo cual, como amante de los videojuegos, me encanta. De todas formas, no considero que estas nuevas creaciones conformen una tendencia, sino que son más bien representaciones generacionales.
En cuanto a las artes performáticas, sería casi una falta de respeto catalogarlas como tendencias, pues llevan practicándose mucho tiempo. Aun así, es innegable que artistas como Joan Jonas, Ryan McNamara, Abraham Cruz Villegas, y Naama Tsabar, entre otros, están muy demandados hoy en día, y me alegra mucho que así sea.
¿Cómo imaginas el arte en cinco años?
En el plano institucional, lo imagino más accesible (acceso gratuito a los museos) y más diverso (más inclusión por parte de los museos hacia artistas no blancos). A parte de esto, no creo que cambie mucho el panorama. El arte se mueve mediante olas, pero creo que se mantendrá estable.
Lo que sí que preveo es un cambio de modelo de negocio, sobretodo en cuanto a galerías y ferias de arte. Las primeras deberán superar el concepto tradicional de espacio meramente expositivo de paredes blancas para alcanzar a las comunidades de las que forman parte, creando programas pedagógicos y talleres que ofrezcan un valor añadido más allá de la exposición y venta de arte. Se me ocurre, incluso, que añadir herramientas extracurriculares, como un bar o una cafetería, no sería mala idea para diversificar su existencia.
En cuanto a las ferias de arte, ya que ocurren una vez al año en un territorio concreto, pienso que deberían plantearse apuntar más allá de las galerías, coleccionistas y visitantes, y centrarse en crear una conversación en torno a cómo beneficiar la escena artística local. En este sentido, imagino una especie de rama non-profit que ofrezca clases de arte, talleres, charlas y visitas a museos, así como actividades infantiles y juveniles. Creo que es algo que debería desarrollarse al margen del evento ferial, durante todo el año. Considero que el objetivo es trabajar por ser más que un mercado.
¿Qué necesita una obra de arte para que te interese?
Ha de tener substancia, así de simple.
¿Por qué crees que la gente debe visitar Swab?
¡Porque es en Barcelona! Jejeje
Ahora en serio, creo que cualquiera que quiera conocer nuevas galerías y descubrir los esfuerzos curatoriales que serán esenciales para el crecimiento de Swab en las próximas 89 ediciones, debe visitar la feria este septiembre.
Además, creo que es una gran oportunidad para entrar en contacto tanto con el arte local como con el internacional.
Swab es el único evento de este tipo celebrado en este territorio, y creo que asistir a su onceava edición vale la pena, así que espero veros a todos en septiembre.
 
Be a Swabber!
Aplicaciones abiertas: 1 de Febrero - 30 de Abril
Cuándo: Septiembre 27, 28, 29 y 30
Dónde: Pabellón italiano (Fira de Montjuïc)
Fuente

Francisco Cantos: "Empecé a coleccionar arte por influencia familiar"

Francisco Cantos | Francisco Cantos: "Empecé a coleccionar arte por influencia familiar"
Francisco Cantos
"Considero muy importante la labor de mecenazgo en el coleccionismo, a pesar de la ausencia en nuestro país de un marco legal y fiscal adecuado para poder fomentar el mecenazgo".
"No tengo en cuenta las corrientes imperantes o modas del mercado ya que mi amor por el arte no me lo planteo como un negocio o una inversión y por eso solo me guio por mi criterio". 

La influencia familiar, no tener en cuenta las corrientes imperantes o modas del mercado, guiarse por su criterio o considerar muy importante la labor de mecenazgo en el coleccionismo son algunas de las interesantes cosas que nos descubre el abogado madrileño Francisco Cantos, quien, tras Susana Lloret, es nuestro segundo coleccionista protagonista en la nueva serie de entrevistas que precederán a la publicación del informe 100 Activos Coleccionistas de Arte en España, que, desde hace meses, viene preparando ARTEINFORMADO, y que verá la luz próximamente.
Con 25 años coleccionando, Cantos ha forjado una colección multidisciplinar de casi 400 obras de arte contemporáneo tanto de artistas jóvenes como consagrados y tanto españoles como extranjeros que incluye pintura, escultura, dibujo, fotografía, video, instalaciones, grabados, etc.
Entre otros, la colección incluye a Marina Abramovich, Alexandre Arrechea, Miquel Barceló, Angela de la Cruz, Carlos Garaicoa, José Guerrero, Secundino Hernández, Candida Hoffer, Kimsooja, Luisa Lambri, Antoni Muntadas, Cristina Iglesias, Juan Muñoz, Pablo Palazuelo, Jaume Plensa, Richard Serra, Antoni Tapies, Juan Uslé, Esteban Vicente o Francesca Woodman.
Si de Susana Lloret hemos dicho que su colección "Per Amor a l’Art" es uno de los proyectos de colección privada institucional que mejor refleja en nuestro país que la "filantropía es el paso siguiente a coleccionar", de Francisco Cantos podemos afirmar que es uno de los "mejores ejemplos de coleccionista privado comprometido y activo", al ser miembro de diversas fundaciones relacionadas con el arte y el mecenazgo y de varias organizaciones sin ánimo de lucro.
A continuación la entrevista completa.
ARTEINFORMADO (AI): ¿Por qué empezó una colección de arte? ¿Desde la primera adquisición cómo han evolucionado sus gustos?
Francisco Cantos Baquedano (FCB): Empecé a coleccionar arte por influencia familiar pues mi tía es artista (Isabel Baquedano) y mi madre, que también es amante del arte, me inculcó el amor al arte desde niño. Evidentemente, cuando llevas 25 años coleccionando el ojo se va adaptando a tus gustos y por tanto se evoluciona y se afina con el mayor conocimiento que adquieres con los años, gracias a Dios.
AI: ¿Ha contado o cuenta con asesoramiento?¿Cuáles son sus ferias, galerías?
FCB: No cuento con asesoramiento porque compro únicamente guiado por mi gusto y pasión. Tampoco tengo en cuenta las corrientes imperantes o modas del mercado ya que mi amor por el arte no me lo planteo como un negocio o una inversión y por eso solo me guío por mi criterio.
En relación a las galerías, creo que durante estos 25 años he comprado en la mayoría de las galerías españolas y también en muchas europeas, latinoamericanas y norteamericanas.
En relación a ferias he asistido a numerosas ferias internacionales incluyendo ARCOmadrid, ARCOlisboa, Basel, Art Cologne, FIAC, Frieze, Artissima, Paris Photo, Art Brussels, etc.
AI: ¿Cuáles señalaría como las piezas más potentes de su colección? ¿Y los artistas fundamentales? ¿Podría señalarnos el/los planteamientos generales que componen la colección? ¿Existe una unidad temática, o se mantienen diversas líneas?
FCB: Mi colección es una colección multidisciplinar en la que no existe una unidad temática o línea particular, sino que incluye obras en todos los medios, incluyendo pintura, escultura, dibujo, fotografía, video arte, instalaciones, grabados, etc. y está abierta tanto a artistas españoles como extranjeros y tanto artistas consagrados como emergentes o mid career.
Lo que ha sido más importante en la colección es la elección de la pieza en concreto de cada artista. Curiosamente, y sin haberlo hecho conscientemente, la colección tiene una alta presencia de artistas mujeres.
AI: ¿Sigue realizando compras actualmente? ¿Qué nombres le interesan ahora?
FCB: Sí, por supuesto sigo comprando actualmente. En cuanto a nombres, hay muchos artistas no presentes en mi colección que me interesan pero prefiero reservarme los nombres.
AI: Como coleccionista, ¿mantiene algún otro tipo de relación con otras entidades, públicas o privadas, para potenciar el coleccionismo y la creatividad artística? 
FCB: Sí, considero muy importante la labor de mecenazgo en el coleccionismo, a pesar de la ausencia en nuestro país de un marco legal y fiscal adecuado para poder fomentar el mecenazgo. A pesar de ello, aporto mi granito de arena y soy miembro de diversas fundaciones relacionadas con el arte y el mecenazgo, como la Fundación ARCO, la Fundación Museo Reina Sofía y otras organizaciones sin ánimo de lucro.
Fuente

Te puede interesar;

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...