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sábado, 12 de agosto de 2017

Heins llena de color las calles de Francia

Cortesía
Rosario Heins subida en una escalera posando frente al mural que pintó en Peróls (Francia) por el verano. Cortesía

La artista barranquillera fue elegida para pintar el ‘MUR de Pérols’ durante este verano con su obra ‘Vamos a la playa’.
En el marco del año Colombia - Francia, la artista barranquillera, Rosario Heins, fue elegida para exponer su trabajo en el famoso ‘MUR de Pérols’. El colorido del rebusque cartagenero podrá ser visto por los franceses que tomen la vía rápida D21 que va de Montpellier a las playas en el sur del país europeo. 
Para la creación del proyecto Heins trabajó durante tres meses. La artista jugó con la perspectiva para dar la sensación de reunión de todos los personajes en la misma playa, utilizando algunos acercamientos y lejanías y con la arena de fondo, que le da el componente de continuidad a la escena. 
Cuando la composición estuvo completa, se imprimió en un papel especial de gran formato. Pegarlo en el muro fue complicado, puesto que el muro es de aluminio y la temperatura en el verano podía subir hasta los 40 grados. La terminación la hizo con acrílicos y marcadores posca.
“Ha sido una bella experiencia y un gran reto, pues esta realización del muro me aleja del trabajo al que estoy acostumbrada, entre mis pinturas y dibujos de gran formato”, expresó Heins. 
Artista en la misma pose del mural.
Artista en la misma pose del mural.
Historia del muro
Este espacio suele dedicarse a los artistas de street art, que fijan su trabajo por dos meses en el importante muro de 3 metros de alto por 40 metros de largo, que tiene como objetivo la democratización del arte.  
La iniciativa nació en 2003 y no tiene reglas sobre el tipo de intervención que puede ser exhibida. Cada artista es libre de elegir el tema a realizar y los materiales. 
Aunque la obra de Heins no se enmarca en el habitual street art de los trabajos que se exhiben, encajaba perfecto para la temporada turística y de vacaciones del verano francés, por tener como tema central la playa. 
La luz es fundamental en el trabajo de Heins, pues es el reflejo del inclemente sol caribeño el que le da brillo a los colores que maneja en su obra, basada en el rebusque. 
“Escogí los personajes de los vendedores ambulantes y los motivos que se encuentran en mis pinturas, para crear toda una escena de playa en el muro”, explicó la artista.

Fuente
https://www.elheraldo.co

martes, 8 de agosto de 2017

Josh Keyes – Dystopian World


Josh Keyes© - I’ll Love You Till the End of the World
Josh Keyes© – I’ll Love You Till the End of the World
Josh Keyes es un artista nació en Tacoma, Washington en 1969. Como tantos de nosotros, se preocupa por el medio ambiente y las consecuencias que las acciones de la humanidad están causando en él, lo que le ha llevado a crear una serie de pinturas donde denuncia y refleja este impacto dañino que el ser humano está causando a la tierra y el futuro resultante de estos hechos, un futuro donde dicho ser humano ha desaparecido y solo quedan restos de civilización por el que deambulan diferentes especies animales obligadas a evolucionar y adaptarse a un nuevo modo de vida, en medio de los restos simbólicos del legado en última instancia frustrado de la humanidad.
Josh Keyes© - Spray
Josh Keyes© – Spray

Josh Keyes© - Mad World
Josh Keyes© – Mad World
Josh Keyes© - Frenzy
Josh Keyes© – Frenzy
Josh Keyes estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago y en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale. Su padre enseñaba y practicaba la escultura y la cerámica, mientras que su madre enseñaba pintura. En este ambiente artístico y animado por ambos, se inicia en la pintura desde una edad temprana, interesándose desde joven por la pintura fotorrealista y la ciencia ficción. Sus pinturas, vacías de seres humanos, son sin embargo un alegato a la raza humana y a su impacto destructivo en nuestro ambiente.
Josh Keyes© - Ever After
Josh Keyes© – Ever After
Josh Keyes© - Turbulence
Josh Keyes© – Turbulence
Josh Keyes© - White Noise
Josh Keyes© – White Noise
Keyes nos deja dos galerías donde encontramos dos estilos de trabajo para un mismo fin. En una de ellas tenemos el clásico fondo blanco sobre el que se presentan sus pinturas, mientras en la otra y más reciente, opta por llenar todo el campo pictórico. Según Keyes“Las pinturas blancas son como especímenes, cuidadosamente dispuestas para la exhibición, la nueva obra se lee como dioramas que podrías ver en un museo de historia natural. Ambas exploran el tema desde un punto de vista diferente. Uno es diagramático y objetivo, y el otro es inmersivo. Estoy emocionado por ver dónde me lleva el nuevo trabajo, y para ver cómo va a informar el estilo anterior.”
Josh Keyes© - Sounding
Josh Keyes© – Sounding
Josh Keyes© - The Chase
Josh Keyes© – The Chase
Josh Keyes© - Float
Josh Keyes© – Float
“Yo diría que gran parte de mi trabajo inicial está ‘cargado’ con contenido específico y un mensaje. A menudo esto era sobre un punto de vista ambiental o una declaración política. Con el tiempo he querido llevar el trabajo a un punto de expresión más personal, abarcando imágenes fantásticas y más oníricas o surrealistas. Todavía hay ecos del pasado, como un buzón o una boca de incendios. Para mí, cuando el trabajo es demasiado literal, a veces se cierra en una sola declaración, no puede realmente expandirse. No es que eso sea algo malo, ya que es uno de los elementos más poderosos del arte visual y la comunicación. Supongo que para mí, al cumplir 45 años y tener una hija, se me ha abierto un nuevo capítulo de la vida. Todavía soy el punker ultrajado, pero me estoy tomando un descanso de los disturbios y rebeliones para experimentar y conectar con una historia más antigua, un espacio más filosófico y metafísico.”
Josh Keyes© - Tangled IV
Josh Keyes© – Tangled IV
Josh Keyes© - Tangled V
Josh Keyes© – Tangled V
Josh Keyes© - Swamp Angel
Josh Keyes© – Swamp Angel
A pesar de la sátira y denuncia en las pinturas de Josh Keyes, su obra esta impregnada de un profundo amor por la naturaleza y una sincera admiración por nuestro planeta. Sus paisajes alterados revelan tanto la complejidad de la Tierra como sistema, como la complejidad de nuestra respuesta al mundo natural, conservando al mismo tiempo un sentido de especificidad e intimidad. Su obra nos sirve así mismo como reflexión y advertencia del legado que estamos dejando a nuestros descendientes. Ojalá seamos capaces de reaccionar a tiempo.
Josh Keyes© - Quake
Josh Keyes© – Quake
Josh Keyes© - Migratory Soul
Josh Keyes© – Migratory Soul
Josh Keyes© - Pursuit
Josh Keyes© – Pursuit
Las pinturas de Josh Keyes se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas por todo el mundo. Su más reciente exposición ha sido este pasado sábado 5 de agosto del 2017 en la Galería Thinkspace en Culver City, California con su exposición individual titulada “Implosión”, para la que ha creado una serie de pinturas “eco-surrealistas” que ofrecen parábolas precavidas del efecto desastroso de la humanidad sobre la naturaleza. En cuanto a su presencia en la red tenemos además de su web su página de TumblrFacebookInstagram y Twitter.
Josh Keyes© - Descent
Josh Keyes© – Descent
Josh Keyes© - Adaptation I
Josh Keyes© – Adaptation I
Josh Keyes© - A Whole New World
Josh Keyes© – A Whole New World
Fuente
http://www.enkil.org

sábado, 5 de agosto de 2017

"Matisse in the Studio", una mirada al mundo privado del artista


Resultado de imagen de Henri Matisse, su estudio

Para el artista francés Henri Matisse, su estudio era un teatro donde los numerosos objetos que coleccionaba fungían como actores que podían interpretar los más diversos papeles

La exposición "Matisse in the Studio" (Matisse en el estudio) que puede verse en la Royal Academy of Arts de Londres explora la estrecha conexión entre su pasión de coleccionista privado y el conjunto de la obra del maestro clásico moderno.
Queremos mostrar el papel decisivo que desempeñó el mundo de los objetos en sus magistrales visiones del color y la forma"...
ANN DUMAS, CURADORA PRINCIPAL DE LA MUESTRA
Para el artista francés Henri Matisse, su estudio era un teatro donde los numerosos objetos que coleccionaba fungían como actores que podían interpretar los más diversos papeles. Con su "colección de trabajo" viajaba de un lugar a otro y en caso necesario ordenaba que se la enviaran.
La exposición "Matisse in the Studio" (Matisse en el estudio) que puede verse a partir de mañana sábado y hasta el 12 de noviembre en la Royal Academy of Arts de Londres explora la estrecha conexión entre su pasión de coleccionista privado y el conjunto de la obra del maestro clásico moderno.
Para Matisse (1869-1954), los objetos que tanto valoraba eran al mismo tiempo tema e inspiración. Para evidenciar la inclusión en su obra, la Royal Academy contrapone 65 pinturas, esculturas, dibujos y recortables del artista con unos 35 objetos que aparecían continuamente en sus obras.
"Queremos mostrar el papel decisivo que desempeñó el mundo de los objetos en sus magistrales visiones del color y la forma", señala la curadora principal de la muestra Ann Dumas.
Resultado de imagen de Henri Matisse, su estudio
Entre sus objetos favoritos se encuentra una jarra de cacao plateada que recibió en 1898 como regalo de bodas, un jarrón de cristal andaluz con grandes asas y una silla veneciana con forma de concha que aparece de forma recurrente en dibujos, pinturas y recortables.
Un pequeño torso romano, un busto de Buda o una escultura de madera noble se ven también sorprendentemente integrados en pinturas de flores o naturalezas muertas.
Matisse compartía con Picasso su fascinación por el arte africano y oriental como alternativa a la representación figurativa occidental. El artista francés regaló al español un retrato de su hija Marguerite, entonces de 13 años, que recordaba estilísticamente a las esculturas de máscaras africanas en su "estilo directo y simplicidad”.
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La exposición "Matisse in the Studio" (Matisse en el estudio) que puede verse en la Royal Academy of Arts de Londres. Fotos: DPA/EFE
Con sus pinturas enriquecidas como elementos decorativos, Matisse trataba también de modificar el foco occidental, tradicionalmente puesto "en una persona u objeto central" de una obra. Su principal objetivo era la "unidad armónica de colores y formas”.


Según Dumas, sus diversas visitas a una exposición de arte islámico en Múnich en 1910 le dieron un impulso esencial para su profundización en el arte, la arquitectura, el mobiliario o los textiles islámicos, que acabaron llevándolo a viajes a España y el norte de África rompiendo los moles de la época.


Igual de entusiasmado se mostraba también por la caligrafía china, que consideraba "la conexión perfecta entre significado y forma”.

Fuente

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